Compartiendo la Red

The Rolling Stones — The Biggest Band Boxset. Live In Rio.

2012-01-29T22:09:00.000+01:00

The Rolling Stones — The Biggest Band Boxset

Tracklist DVD2:
Copacabana Beach, Rio de Janeiro, Brazil
February 18, 2006

1. Opening Jumpin' Jack Flash
2. It's Only Rock and Roll You Got Me Rocking
3. Wild Horses Rain Fall Down
4. Midnight Rambler Night Time Is Right Time
5. Happy Miss You
6. Rough Justice Get Off My Cloud
7. Honky Tonk Woman Start Me Up
8. Brown Sugar You Can't Always Get What You Want
9. (I Can't Get No) Satisfaction

Cine: Un hombre llamado caballo

2012-01-19T14:06:00.000+01:00

UN HOMBRE LLAMADO CABALLO

TÍTULO ORIGINAL: A Man Called Horse

AÑO 1970

DIRECTOR Elliot Silverstein

GUIÓN Jack De Witt

MÚSICA Leonard Rosenman

FOTOGRAFÍA Robert B. Houser

REPARTO Richard Harris, Judith Anderson, Jean Gascon, Manu Tupou, Corinna Tsopei, Dub Taylor,

Iron Eyes Cody, Eddie Littlesky, Michael Baseleon

PRODUCTORA 20th Century Fox

GÉNERO Western. Aventuras

SINOPSIS La historia de un aristócrata inglés que, en 1825, fue apresado y tratado como un esclavo

por los indios sioux consiguió, además de la interpretación más conocida de Richard Harris,

un gran éxito comercial. (FILMAFFINITY)

La Danza del Sol era una ceremonia practicada por algunas de las Naciones Indias Norteamericanas. En algunos casos, como en del pueblo Sioux, el ritual incluye un tipo de piercing que consiste en introducir en el pecho, los brazos o la espalda un hueso afilado produciendo un desgarro en la piel y dejarse colgar de el hasta que muchas veces la mayoria perder el conocimiento a causa del intenso dolor. La explicación más común a esto, desde el punto de vista de los danzantes, es que se trata de una ofrenda de carne, entregada como parte de un rezo para pedir por la familia o la comunidad. Los ancianos explican como, para la mente occidental, es difícil comprender un acto como la ofrenda de carne. Según ellos, no supone ningún sufrimiento para quien lo realiza, sino que se trata de un acto generoso de entrega y comunión con Dios.
En 1881 el gobierno de los EE.UU., presionando por los misioneros, prohibió la danza del Sol, sobre todo a causa del sacrificio cruento que acabamos de describir y en el que los blancos veían un acto bárbaro y atroz. Para los oglalas, en cambio, la danza del Sol constituye la suma expresión de su culto a Wakan Tanka, así como la fuente de su crecimiento y prosperidad y de la renovación de todas las cosas. Las privaciones y el dolor físico que la ceremonia lleva consigo son una acción de gracias y una ofrenda realizada en nombre del pueblo entero.

historias del regatecha

...en los títulos de créditos que introducen la película se hace un expreso agradecimiento al Smithsonian Institute, al Museo Americano de Historia Natural y a la Librería del Congreso. Se advierte además que los rituales dramatizados en el filme han sido documentados a partir de cartas y pinturas de George Catlin, Carl Bodmer y otros testigos oculares de la época. Finalmente se expone que la práctica del «Juramento al sol» (Vow to the Sun) fue prohibida por el gobierno de los Estados Unidos hacia finales de 1800 (es decir en las postrimerías del siglo XIX). Todo esto tiene sentido porque, como vamos a explicar, esta obra cinematográfica puede ser entendida como el encadenamiento narrado de una serie de ceremonias propias de los Sioux. Nos remite así el largometraje a la clásica definición de cultura (en sentido antropológico) que diera uno de los padres de la Antropología Evolucionista, E. B. Tylor (el otro es Lewis Henry Morgan) en su obraPrimitive Culture (Chicago 1871). Pues sabemos que «la cultura o civilización, en sentido etnográfico amplio, es aquel todo complejo que incluye el conocimiento, las creencias, el arte, la moral, el derecho, las costumbres y cualesquiera otros hábitos o capacidades adquiridos por el hombre en cuanto miembro de la sociedad».

La obra se abre, mientras pasan los títulos de crédito, con la escena de un jefe indio, ricamente ataviado, que en un espléndido y rojo crepúsculo eleva sus oraciones a Wakan-Tanka, al Gran Espíritu. Wakan-Tanka es la personificación animista (y totémica) del gran bisonte blanco sagrado, pues en lengua Dakhota-Lakhota «búfalo macho» y «búfalo negro» se dice «Ta'tan ka». Este es, evidentemente, el «animal divino» por excelencia de los indios sioux y de las diferentes ramas de esta etnia.

...Morgan ya no es un shunkawakan, es un sioux, pero para que el matrimonio sea válido el jefe le impone un duro «rito de paso» (van Gennep, Victor Turner). Tiene que sufrir y superar la ceremonia del «Culto al sol». O culmina la prueba y se casa integrándose plenamente en esta cultura o se ha de marchar de la tribu tal como y llegó, sin ninguna garantía de supervivencia frente a otras tribus hostiles alejado como está de San Luis (Missouri), que era el límite civilizado de la frontera oeste.

Este nuevo sacrificio muy superior en prueba a todos los anteriores, como el de aprender (gracias a las enseñanzas del amigo mestizo) a cazar al modo indio, vestirse y rastrear como ellos y afeitarse en frío con un pesado cuchillo de escalpar, supondrá (y este es el núcleo esencial de la película) su «muerte cultural» como hombre blanco civilizado, para renacer así como un sioux cuyo color de piel no es ya impedimento u obstáculo alguno. Él confiesa valiente ante la asamblea de guerreros y ante el hechicero el desprecio que ha sentido hacia ellos por haberle convertido en un caballo (eje radial). A cambio los indios le exigen que supere el ritual ante el gran Wakantanka. Tras un complejo proceso de purificación y ayuno Morgan, el aristócrata inglés, pasará el «ceremonial iniciático» de ser colgado por las tetillas y elevado en el aire para ser expuesto al rigor del sol durante un día, dentro de la choza sagrada (cuya onomatopeya es «tipiwakan»). Es en este contexto angular dentro del espacio antropológico cuando realmente pasa de ser (desde el punto de vista emic de los sioux) un animal (shunkawakan como entidadradial) a ser un hombre, un sioux (realidad del eje circular).

El tipo de visiones delirantes que Morgan tendrá durante el dolorosísimo sacrificio ejemplifican esto que estamos explicando. El «animal divino», el gran bisonte blanco, se le aparece majestuoso además de otras ensoñaciones, donde despojado de su atuendo por el viento de la pradera, desnudo ya, se deshace de su vieja identidad como hombre civilizado inglés y renace puro como sioux al yacer y fundirse con la mujer india a la que desea. Así el eje angular media entre el radial y el circular.

...Una vez superada la prueba, «reveladas» sus visiones en las que la «religión primaria» va dar un nuevo sentido a su vida renacida, este nuevo miembro de la tribu curado de sus heridas es aceptado con orgullo por toda la comunidad (por la «comuna» india, diríamos con lenguaje no sólo metafórico).

El Catoblecas

Cine: Trilogía Qatsi 3 / Naqoyqatsi (2002)

2012-01-13T11:23:00.000+01:00

Naqoyqatsi, también conocida como Naqoyqatsi: Life as War, es un film documental realizado en el año 2002; y es la última parte de la Trilogía qatsi (la primera Koyaanisqatsi de 1983 y la segunda Powaqqatsi del 1988) y dirigida como las anteriores por Godfrey Reggio. El film se focaliza en la transición de la sociedad a un entorno natural desde la técnica y la industrialización. El título del film proviene de la lengua indígena de la tribu hopi y significa: "La vida como guerra".

Naqoyqatsi significa matarse unos a otros, la guerra como forma de vida o “violencia civilizada”.

Más importante que los imperios, más poderoso que las religiones del mundo, más decisivo que las grandes batallas, más impactante que los cambios cataclísmicos de la tierra, Naqoyqatsi es la crónica del evento de más impacto de los últimos cinco mil años: la transición del medio natural al medio tecnológico.

La nueva naturaleza logra la unidad a través del increíble poder homogeneizador de la tecnología. Naqoyqatsi es una reflexión sobre este singular evento. En este escenario los seres humanos no usamos la tecnología como una herramienta, sino que vivimos la tecnología como una forma de vida. La tecnología es la gran fuerza y el oxígeno que siempre está ahí, una necesidad sin la cual no podemos vivir, debido a que su apetito es infinito, a medida que consume el mundo finito de la naturaleza. Es en este sentido que la tecnología es Naqoyqatsi; una agresión planificada contra la fuerza de la vida misma. La vida en guerra total, la guerra más allá de las guerras del campo de batalla.

Naqoyqatsi nos lleva en un viaje épico a una tierra que está en ninguna parte, pero a la vez está en todas partes. La tierra donde la imagen en sí es nuestro lugar, donde lo real da paso a lo virtual. Cuando los dioses de la antigüedad se destruyeron, un nuevo panteón de luz apareció en el circuito integrado de las computadoras. Su verdad, se convierte en la verdad.

fuente: videotecaalternativa.net

La trilogía Qatsi: Godfrey Reggio, tras pasar 14 años de silencio y oración, de pronto tuvo la idea de hacer una película en un estilo completamente nuevo: tomar las imágenes de la vida real - emocional, imágenes en bruto, y presentarlas de una manera no verbal, no-lineal en la llamada trilogía Qatsi. En cada una de las películas de la trilogía, el director utiliza un estilo particular: en la primera, Koyyanisqqatsi, el efecto del movimiento acelerado para obligar a la conciencia para percibir las imágenes de manera diferente. En la segunda, Povaqqatsi, la cámara lenta permite centrarse en las características sensoriales de la vida silvestre. En la última parte de la trilogía, Nakoyqqatsi, cuyo nombre significa "la vida como una guerra", Godfrey Reggio explora un territorio visual nuevo y se encuentran entre las imágenes de las tecnologías avanzadas y el procesamiento digital, lo que él llama un "imágenes restauradas".

Cine: Trilogía Qatsi 2 / Povaqqatsi (1988)

2012-01-05T12:10:00.000+01:00

Povaqqatsi (La transformación de la vida) es la segunda parte de la trilogía documental "Qatstsi", del director estadounidense Godfrey Reggio. Powaqqatsi en la lengua hopi que significa "forma de vida parasitaria", "desarrollo de la vida."

Mientras que la primera película, Koyaniskatstsi, se centra en la vida contemporánea de los países desarrollados, la narrativa de Povakatstsi se centra en el conflicto de la vida tradicional en el Tercer Mundo frente al desarrollo de las nuevas industrias y tecnologías.

Al igual que las otras dos partes de la trilogía, la imagen está estrechamente relacionada con la música de Philip Glass.

La trilogía Qatsi: Godfrey Reggio, tras pasar 14 años de silencio y oración, de pronto tuvo la idea de hacer una película en un estilo completamente nuevo: tomar las imágenes de la vida real - emocional, imágenes en bruto, y presentarlas de una manera no verbal, no-lineal en la llamada trilogía Qatsi. En cada una de las películas de la trilogía, el director utiliza un estilo particular: en la primera, Koyyanisqqatsi, el efecto del movimiento acelerado para obligar a la conciencia para percibir las imágenes de manera diferente. En la segunda, Povaqqatsi, la cámara lenta permite centrarse en las características sensoriales de la vida silvestre. En la última parte de la trilogía, Nakoyqqatsi, cuyo nombre significa "la vida como una guerra", Godfrey Reggio explora un territorio visual nuevo y se encuentran entre las imágenes de las tecnologías avanzadas y el procesamiento digital, lo que él llama un "imágenes restauradas".

Título: Povaqqatsi: La vida en la transformación
Lanzamiento: 1988
Género: Documental
Director: Godfrey Reggio
Música: Philip Glass
Lanzamiento: Santa Fe Institute for Regional de Educación, EE.UU.
Tiempo de reproducción: 01:35:39

ver a pantalla completa

Cine: Trilogía Qatsi 1 / Koyaniskatstsi (1983)

2012-01-02T14:14:00.000+01:00

Ficha técnica
Título	Koyaanisqatsi
Dirección	Godfrey Reggio
Producción	Godfrey Reggio
Guion	Ron Fricke Michael Hoenig Godfrey Reggio Alton Walpole
Música	Philip Glass
Fotografía	Ron Fricke
Montaje	Ron Fricke Alton Walpole

Datos y cifras
País(es)	Estados Unidos
Año	1983
Duración	87 minutos
Idioma(s)	Inglés Hopi

KOYAANISQATSI
La naturaleza pérdida y el mundo moderno en un vertiginoso documental de arte
por Carlos Brussain

KOYAANISQATSI es el primer film de la trilogía QATSI (KOYAANISQATSI, POWAQQATSI y NACOYQATSI). Es también el debut de Godfrey Reggio como director y productor. Hasta este 2001 se realizaron , será producida en los próximos meses. Del mismo autor también son las películas ANIMA MUNDI y EVIDENCE, todas presentadas por IRE (Institute for RegionalEductation, una fundación que se mantiene gracias a este tipo de proyectos).

KOYAANISQATSI corresponde al género documental y fue realizada entre 1975 y 1982. El film expone la colisión de dos mundos diferentes. Por un lado la vida urbana y su tecnología, y por el otro elmedio ambiente. El título es una palabra hopi que en una de sus acepciones significa "vida fuera de equilibrio", pero también "vida loca", "vida en turbulencia", "vida que lleva a la desintegración" o un estado de vida que clama por otro modo de vivir"; significados todos que se ajustan a una descripción perfecta del mundo moderno.

KOYAANISQATSI posee una particularidad: carece completamente de palabras. Quizás esto se relacione con el hecho de que Godfrey Reggio vivió 14 años en silencio y plegaria cuando estudiaba para ser monje. Pero la ausencia de las palabras no limita su arte. La película prescinde totalmente de ellas y se despliega como una selección aguda de imágenes, fotografiadas por el ojo sensible de Ron Fricke, que también junto a Alton Walpole realiza una edición precisa y compuesta al son de la música de Philip Glass. Todos estos elementos producen una alquimia que embarca al espectador en un viaje hacia la locura del mundo contemporáneo y hacia su propio mundo interior.

EL VIAJE
Al comienzo del film irrumpen escenas de la naturaleza: cielos, nubes, cerros, ríos, aves, grutas, mostradas con un ritmo sereno, acorde al mundo natural exhibido. Pero, pronto, este clima calmo cede el lugar a la ruptura del equilibrio. Los reactores de un cohete producen una lluvia de cenizas, lluvia que para los hopis era una señal clara del comienzo del fin del mundo. "Podría ser que algún día sea arrojado del cielo un receptáculo de cenizas que queme la tierra y evapore los océanos", vaticina una de sus profecías. Luego la tormenta de imágenes mostrará ciudades grises, fábricas vomitando vapores oscuros. Otra profecía hopi asegura: "Excavar riquezas de la tierra es cotejar al desastre". Y otra: "Al acercarse el día de la purificación, la Abuela Araña tejerá hilos de un extremo al otro del cielo"; pero esta vez, quizás, no será la Abuela Araña la que teja los hilos, sino el hombre moderno, que levantará sus torres, sus "araña" de hierro, tendiendo cables entre torre y torre.

En el film, los ojos del espectador son invadidos por dinámicas secuencias donde se suceden gente acostada en la playa con sus hijos jugando en la arena a escasos pasos de una central atómica; portaaviones que recitan en su pista: E=mc2; tanques que avanzan hacia ninguna parte; cazabombarderos; fundiciones; aviones espía; explosiones nucleares; aeropuertos; excavaciones; calles atestadas de rostros perdidos... Pero Reggio no se reduce a transmitir "postales" que ilustran el vértigo moderno. Va aún más allá y continúa mostrando imágenes de ghettos, miseria, violencia social, desempleo, monoblocks inmensos demolidos brutalmente por explosiones calculadas, basurales, pobreza, y los contrapone con imágenes de aviones jumbo, que hablan en sí mismos de un "estilo de vida". También muestra gigantes de hierro y concreto que desafían al cielo, reflejando en sus cristales un cielo que parece cada vez más lejano para los hombres que pueblan las ciudades debajo. Asimismo despuntan en la pantalla: playas enteras de autos recién fabricados contra gente durmiendo en las calles. Rostros de gente alienada en las veredas. Casinos. Terminales inundadas por un mar de personas. Publicidades que prometen rellenar los abismos interiores con cigarrillos, salchichas o automóviles. Las fábricas de alimentos trabajan día y noche para satisfacer al hambriento monstruo de millones de bocas. Conteos de billetes por máquinas automáticas. Circuitos que se funden con la visión ascendente de una cámara que toma la ciudad vista desde el cielo. Gente que camina apresurada. Cadenas de montaje sin fin. Fiambres. Panes. Restaurantes de comida rápida. Personas trabajando de noche en oficinas que no apagan sus luces jamás. Escaleras mecánicas que nunca llevan al cielo. Brazos robot. Bowlings. Autopistas con luces de colores que desfilan por siempre. Hombres cegados que juegan videojuegos con bebés en sus brazos y sus hijos imitan sus "enseñanzas" a un lado.

Y la luna en el cielo.Y la luna sigue en el cielo.Y la luna sigue en el cielo vista por nadie. Olvidada por aquellos que no pueden mirar más que su propio ombligo. ¿Cuánto tiempo pasó ya desde que el hombre olvidó los ciclos de la naturaleza? Naturaleza de la que el también forma parte, aunque insista en darle la espalda.Si alguien se detiene a pensar, hace sólo 200 años atrás los aborígenes norteamericanos todavía poblaban dignamente esas tierras que hoy sirven de base a plantas de explotación petrolera. Indígenas que visitaban grutas sagradas que hoy son minas; que habitaban praderas que hoy son hoteles, negocios, casas de juego, algunas incluso manejadas por indígenas, ¿es posible acaso pensar una paradoja peor? Los hermanos de la tierra y del cielo, de las praderas, del bisonte, deldesierto, de las nubes, del sol y de la luna, degradados también a este juego alienante de la vida moderna. Paradojas. Y una imagen que nos invade con frecuencia: la de la Abuela Araña que se aproxima a nuestro tiempo, a nuestro mundo, para extender sus hilos de un extremo al otro del cielo.

Los archivos más vistos de Compartiendo la Red en el 2011

2011-12-31T14:33:00.001+01:00

Enjoy_your_breakfast_by *nocturnalMoTH

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Arcana

2011-12-29T12:25:00.000+01:00

Dos vídeos Shivabel dedicados a un par de artistas excepcionales (y desconocidos)

Arcana 1 (Albín Brunovský / Eslovaquia)

Música de Bobby Beausoleil, 'Lucifer Rising - Take Two'.

Arcana 2 (The Art of Johfra Bosschart / Holanda)

Música de Runes Order, 'Holy Stones'.

Pink Floyd - Live in Venice

2011-12-27T14:13:00.000+01:00

Pink Floyd - Live in Venice

Live concert by Pink Floyd in Piazza San Marco, Venezia, in 1989, performing:

1. Shine You Crazy Diamond
2. Learning To Fly
3. Yet Another Movie
4. Round And Around
5. Sorrow
6. The Dogs Of War
7. On The Turning Away
8. Time
9. The Great Gig In The Sky
10. Wish You Were Here
11. Money
12. Another Brick In The Wall
13. Comfortably Numb
14. Run Like Hell

David Gilmour (guitars and vocals)
Richard Wright (keyboards and vocals)
Nick Mason (drums and percussion)
Jon Carin (keyboards, synthesizers and vocals)
Tim Renwick (guitars)
Guy Pratt (bass and vocals)
Scott Page (saxophones)
Gary Wallis (percussion)
Rachel Fury (backing vocals)
Durga McBroom (backing vocals)
Lorelei McBroom (backing vocals)

Canción de los lobos

2011-12-23T12:09:00.000+01:00

Born free - Lady Amarillis / Deviantart

Canción de los lobos

Ruge y retumba la tormenta
Por la enlutada bóveda del cielo,
Y sobre el dorso de impetuosas ráfagas
Cabalgan las deidades del invierno.

Ni el frígido erial donde vagamos
Sin acierto buscando alguna senda,
Ni un arbusto descubre la mirada
Que el suspirado abrigo nos ofrezca.

Allí en la cueva el hambre que nos mata,
Y fuera de ella el frío que nos hiela;
Entre ambos, como rudos cazadores;
Sin piedad nos acosan por doquiera.

Y píntaseles otro en la batida:
Del cargado fusil la saña fiera
Deja sobre la nieve señaladas
Con nuestra roja sangre nuestras huellas...

Tenemos frío, sí; tenemos hambre
Y el mortífero plomo nos asedia
Pero ¿qué importa?... En cambio somos libres.
¡Oh, santa libertad! ¡Bendita seas!

Alejandro Petröffi
(Hungria 1823-1849)

Imágenes de lobos con música de Ron Boots

Faust, de Murnau

2011-12-21T11:50:00.000+01:00

Fausto

Título original: Faust - Eine deutsche Volkssage

Director: F.W. Murnau

Alemania, 1926
Blanco y negro

Silente, con banda sonora e intertítulos en inglés.

Versión restaurada - 1.55 h.

El alquimista alemán Fausto es objeto de una apuesta entre Dios y Satanás. Satanás envía a Mephisto a la Tierra para ofrecerle a Fausto que elija entre poner fin a la plaga que está haciendo estragos entre la población local y la eterna juventud, a su vez por el módico precio de su alma.

¡Qué viva México" (completa)

2011-12-14T17:47:00.000+01:00

¡Que viva México! (en ruso: Да здравствует Мексика!) fue un proyecto fílmico inconcluso de Serguéi Eisenstein. La producción estuvo marcada por dificultades y finalmente abandonada. Jay Leyda y Ziba Voynow lo denominan su plan de filme más grande y su tragedia personal más grande.
El material original nunca fue montado. El material filmado ha sido reconstruido por otros bajo los títulos de Thunder Over Mexico, Eisenstein in Mexico, Death Day y Time in the Sun. En 1979 Grigori Aleksandrov, a partir de los storyboards originales de Eisenstein, compiló Da zdravstvuyet Meksika!, una aproximación al montaje que éste planeaba.
La estructura del filme, en la reconstrucción de Aleksandrov es de cuatro episodios, más un prólogo y un epílogo. El prólogo presenta imágenes alegóricas al México prehispánico. El episodio "Sandunga" recrea los preparativos de una boda indígena en Tehuantepec. "Fiesta" desarrolla el ritual de la fiesta brava, mientras que "Maguey" escenifica la tragedia de un campesino victimado por rebelarse en contra de su patrón. "Soldadera" (episodio no filmado) presentaría el sacrificio de una mujer revolucionaria. El epílogo, también conocido como "Día de muertos", se refiere al sincretismo de las distintas visiones que coexisten en México alrededor del tema de la muerte.
La estructura del filme, en la reconstrucción de Aleksandrov es de cuatro episodios, más un prólogo y un epílogo. El prólogo presenta imágenes alegóricas al México . El episodio "Sandunga" recrea los preparativos de una boda indígena en Tehuantepec. "Fiesta" desarrolla el ritual de la fiesta brava, mientras que "Maguey" escenifica la tragedia de un campesino victimado por rebelarse en contra de su patrón. "Soldadera" (episodio no filmado) presentaría el sacrificio de una mujer revolucionaria. El epílogo, también conocido como "Día de muertos", se refiere al sincretismo de las distintas visiones que coexisten en México alrededor del tema de la muerte.

La gran pregunta sobre qué hubiera sucedido realmente si Eisenstein hubiese terminado la obra, quedará para la historia. Se trata de una gran ilustración que, por ser representada de una manera artística, hizo de las costumbres mexicanas una obra de arte a la mexicana. El prólogo de la película explica cuál fue la situación y por qué no se terminó la obra, y cómo es que ha sido construida basándose en los datos que dejó Eisenstein, tratando con ello de conservar el estilo de dicho director.

Tiene un hilo conductual muy interesante, va ligando al espectador los aspectos y características de los mexicanos, le lleva de una historia a otra entrelazándolas con las costumbres. Una escena muy interesante que ejemplifica la forma de enlazar las escenas es cuando la tehuana por fin compra su collar de monedas de oro y se lo pone, luego hay una disolvencia para continuar en donde el joven está en la hamaca, pero con la forma del collar. La manera en que enlaza las escenas y las formas artísticas que representa, es sorprendente. Refleja la gran planeación que se tuvo para realizar la película, el gran esfuerzo y la dedicación por parte de todo el equipo que la realizó.
En cuanto a las tomas y ángulos que se hicieron durante la película, Eisenstein dejó claro cómo representa la divinidad, las tomas que hizo de los sacerdotes y al altar de la virgen fueron en contrapicadas, dejando en claro que esas imágenes tienen un significado y una representación de autoridad. La construcción simétrica es impresionante, siempre buscaba dejar las cosas centradas, o que las tomas tuvieran mucha calidad, muy buena fotografía. Además del uso del montaje, hace uso del close up, tomas detalladas, es como si como fuera un documental de la vida mexicana. La representación que hacen de la unión íntima entre los matrimonios con la toma de los pájaros.

El audio va acorde con las imágenes, deja una sensación, representa el momento. La capacidad de producir una película así muestra el resultado de un gran esfuerzo, ¿que hubiera sido realmente si la hubiera concluido Eisenstein? es la duda de los grandes cineastas y críticos, pero aunque no la terminó por las injusticias que se cometieron, su esencia queda presente. Teniendo en cuenta que la cultura mexicana es muy conservadora y en la película vienen algunas tomas que pueden considerarse como indecentes, son tratadas con arte, con una gran estructura y una fotografía, podría decirse, perfecta.

Declaración de los Derechos Humanos

2011-12-13T14:27:00.001+01:00

Un vídeo donde se muestran de manera clara los derechos que todos tenemos por el simple hecho de haber nacido humanos.

Parece mentira, pero en pleno siglo XXI todavía hay que recordárselo a mucha gente que no los respeta (tal vez porque ellos mismos no se consideran humanos).

Vangelis - Eureka (Live at Rotterdam, 1991)

2011-12-03T13:16:00.000+01:00

Vangelis - Eureka (Live at Rotterdam, 1991)

Track List:

1. Chariots Of Fire

2. Spiral

3. Other Side Of Antartica

4. Chung Kuo

5. Glorianna

6. Pulstar

7. Mask (Movement II)

8. Italian Song

9. Kinematic

10. Mask (Movement V)

11. Hymne

Concierto completo: Marillion - Recital of the Script

2011-11-30T12:45:00.000+01:00

Marillion
Recital of the Script
1983

1. Script For A Jester's Tear
2. Garden Party
3. The Web
4. Chelsea Monday
5. He Knows You Know
6. Forgotten Sons
7. Market Square Heroes
8. Grendel

Universos paralelos

2011-11-22T21:34:00.001+01:00

Universos paralelos es el nombre de una hipótesis física, en la que entran en juego la existencia de varios universos o realidades relativamante independientes. El desarrollo de la física cuántica, y la búsqueda de una teoría unificada (teoría cuántica de la gravedad), conjuntamente con el desarrollo de la teoría de cuerdas, han hecho entrever la posibilidad de la existencia de múltiples dimensiones y universos paralelos conformando un multiverso.

Artículo de Pere Estupinyà
¿Existen “realmente” universos paralelos? La pregunta está científicamente abierta. Puntos a favor: - Las leyes de la física los hacen posibles, - parece más lógico que exista un multiverso que un único universo con leyes y constantes tan ajustadas, - nuestros sentidos nos ofrecen una visión muy restringida de la realidad. Puntos en contra: - No tenemos evidencias experimentales de que existan, - las leyes matemáticas los hacen posibles pero (a diferencia de en su momento partículas como el electrón o la antimateria) no necesariamente los deducen.

Pero ¿qué son los universos paralelos? Una primera matización: no hablo de abstracciones mentales o múltiples historias de la cuántica, sino de lo que al común de los mortales nos viene en mente cuando oímos la expresión universos paralelos: un mundo que exista físicamente, separado del nuestro, y donde quizás vivan seres parecidos a nosotros.

Confieso que iba a titular el post “Los Universos paralelos no existen”, pero tras conversar con el simpatiquísimo y elocuente cosmólogo del MIT Max Tegmar (a quien descubrí hace un par de semanas gracias al programa REDES), creo que en este Universo me ha convencido.

De manera muy básica, estos son los 4 tipos de Universos paralelos que propone Max Tegmar:

- El tipo 1 es conceptualmente fácil de visualizar: Piensa en el Big Bang y la expansión del Universo. Hay una teoría llamada Inflación según la cual el espacio se expandió internamente y de manera exponencial a una velocidad radicalmente extrema. Esto implicaría que dentro de todo este espacio habría regiones independientes y alejadas entre ellas con las que nunca podríamos llegar a contactar. A estas regiones Max Tegmar las llama Universos Paralelos. Pero hay más: una de las predicciones teóricas de la inflación es que el espacio es infinito (esto nos lo explicó hace un año en este blog el propio Alan Guth, creador de la teoría del Universo Inflacionario y futuro premio Nobel si el año que viene el telescopio Plank de la ESA descubre ondas gravitacionales). Según Tegmar, si el espacio es infinito habrá potencialmente infinitas regiones (o Universos paralelos) aisladas entre sí. Y por probabilidad en alguna de ellas habrá seres como nosotros leyendo páginas en Internet.

A mi me cuesta aceptarlo. Pero Max dice que es normal que me cueste; le ha pasado a todos nuestros antepasados cuando se pensaban que nuestra galaxia era la única que existía en el Cosmos, entre otras ocasiones en que la física ha ampliado nuestra mirada antropocéntrica de la realidad. El punto es que no se puede demostrar empíricamente, pero es probable. Y lo será más si se confirma la existencia de ondas gravitacionales que a su vez demostrarán que la inflación es cierta.

- El tipo 2 –simplificando mucho- también tiene un razonamiento muy lógico: ¿Por qué va a existir un único Universo? Todo este espacio generado tras el Big Bang, con universos paralelos dentro de él o no, podría estar dentro de un “espacio vacío” más grande que albergara otros Universos con leyes y constantes físicas diferentes. Hubieran nacido de otos Big Bangs independientes. No hay manera –ni la habrá- de averiguarlo, pero según Max Tegmar, el hecho de que las leyes físicas de nuestro universo estén tan bien ajustadas hace pensar que deberían haberse creado muchísimos más Universos con propiedades muy diferentes, para que uno fuera el afortunado. Sería una casualidad enorme que sólo existiera éste y tan bien ajustado. Además asegura que una variante de la teoría inflacionaria lo permite.

- El tipo 3 es peliagudo, y yo le reconozco cierta manía, porque conlleva a confusión. La física cuántica establece que existen universos paralelos, y esto está más que demostrado, pero no tienen nada que ver con los Universos “cosmológicos” de antes; los que existen “físicamente”. Las “historias-múltiples” de la cuántica se refieren a posibilidades antes de la observación. Fijémonos en el clásico ejemplo del gato de Schrödinger: Tu pones un gato dentro de una caja junto a un átomo que tiene el 50% de posibilidades de desintegrarse. Si se desintegra el gato muere, y si no se desintegra sigue vivo. Según la cuántica antes de colapsar el sistema abriendo la caja, el gato está medio vivo y medio muerto. Es decir; hay dos universos paralelos, uno en el que el gato está vivo y otro en el que está muerto. Pero… ¡el gato no se ha desdoblado! De gato (sea vivo o muerto) físicamente sólo hay uno (y que venga un físico teórico a demostrármelo si me equivoco). Está claro que en abstracto la cuántica implica la existencia de múltiples historias posibles. Y no sólo en abstracto, sino manifestándose físicamente como se ve en el clásico ejemplo de los fotones y la rendija. Pero me cuesta concebirlo como “universos”. Max insiste que sí lo son, que sí existen, y que son la base de –por ejemplo- la computación cuántica.

- El tipo 4 es la aportación más original de Max Tegmar: El Universo Matemático. Parte de un cambio importante en la manera de concebir el mundo: La visión “aristotélica” que solemos tener es pensar que existe una realidad física, y las matemáticas son un lenguaje para describirla. Max dice “no, no, no…” y defiende una visión “platónica” donde las matemáticas son una propiedad intrínseca de la naturaleza, y lo que percibimos es una versión de la realidad distorsionada por nuestros sentidos y limitaciones. La realidad existe independientemente de nosotros. El Universo no se describe con matemáticas; es matemáticas. Entonces si las mismas matemáticas pueden describir diferentes universos, estos serán Universos Paralelos. Abstracto, quizá más filosófico que científico, pero resulta que esta manera de percibir la realidad es consistente con la teoría de cuerdas.

No se si nos hemos aclarado o creado más confusión.Según estas teorías existe un universo en que termino de escribir este post convencido de que los universos paralelos existen, otro en el que no me creo nada, y varios universos paralelos en que confío en diferentes combinaciones de los cuatro tipos expuestos por Tegmar. La “lógica” siempre subjetiva va balanceándose de un lado a otro en función de las premisas de que parta. Yo ya no sé en cual de estos Universos estoy. ¿Y vosotros?

1. Documental del Canal de Historia

2. Documental de la BBC

Pink Floyd Reunion (2005)

2011-11-13T19:20:00.000+01:00

Pink Floyd Reunion / Live 8

Tras 24 años, primera (y única) actuación de Pink Floyd, en el concierto benéfico Live 8.

The full 4 songs from the Pink Floyd reunion at Live 8 on July 2 2005.
David Gilmour, Roger Waters,Rick Wright and Nick Mason reunite after 24 years for the Live 8 benefit concert.
The first time the band has played together since they played at Earls Court in London on 17 June 1981.

Speak to Me/Breathe/Breathe
Money
Wish You Were Here
Comfortably Numb

Documental: Comida rápida (Food, Inc.)

2011-11-10T12:40:00.000+01:00

Comida rápida (Food, Inc.), dirigido por Robert Kenner

El primer segmento del documental examina la producción industrial de carne, a la que llama inhumana y económica y ambientalmente insostenible.

El segundo segmento se centra en la producción industrial de grano y verduras, a la cual también califica de económica y ambientalmente insostenible.

El tercer y último segmento trata sobre el poder económico y legal de las grandes compañías de producción de alimentos (que, según los autores, se basa en ofrecer comida barata pero contaminada con químicos a base de petróleo, sobre todo pesticidas y fertilizantes) y la promoción de hábitos de consumo de comida insalubre hacia el público estadounidense.

EliteArtists / Deviantart

2011-11-08T14:55:00.000+01:00

Imágenes del grupo de Deviantart EliteArtist, con música de Lacrimosa (Goear)

kingjamesuk/deviantart

Apophysis (arte fractal)

2011-11-04T13:34:00.000+01:00

imágenes fractales de kr0mat1k/deviantart

Música: Sion Ambients / Jamendo

Royalty-free music for professional licensing

Documental: Pink Floyd: The Making of The Dark Side of the Moon

2011-11-02T10:52:00.000+01:00

Pink Floyd: The Making of The Dark Side of the Moon
Director: Matthew Longfellow.
Reparto: Documental, Roger Waters, Storm Thorgerson, Nigel Williamson, David Fricke, David Gilmour, Richard Wright, Nick Mason, Robert Sandall, Alan Parsons.
País: Estados Unidos.
Género: Documental, Musica.
Duración: 83 Minutos.

Documental sobre la creación del clásico álbum "The Dark Side of the Moon", de Pink Floyd, a través de imágenes de archivo y entrevistas a los músicos, productores e ingenieros de sonido.

Pink Floyd: The Making of The Dark Side of the Moon

49:09

The most phenomenal recording in rock & roll history is thoroughly examined in Pink Floyd: The Dark Side of the Moon. The Floyd's 1973 masterpiece remained on bestseller charts for nearly 14 years, and its enduring importance is honored here by all four members of Pink Floyd and key personnel (engineer Alan Parsons, mixing supervisor Chris Thomas, sleeve designer Storm Thorgerson, and others) who played essential roles in the landmark album's creation. Produced for the Classic Albums series that originally aired on VH-1, this thorough and thought-provoking study highlights a track-by-track dissection of the LP's master tapes (including the spoken-word passages that bookend the album), superbly interlaced with archival footage, early demo tapes, concert animations, and latter-day acoustic performances by David Gilmour, Roger Waters, and Richard Wright to demonstrate each track's contribution to the final mix--a sonic exploration that extends to the illuminating bonus features. Informative interviews abound (including Rolling Stone senior editor David Fricke), and much-deserved credit is given to saxophonist Dick Parry, solo vocalist Clare Torry, and former Capitol Records chairman Bhaskar Menon, who fostered the album's U.S. commercial success.

2011: A Space Adventure

2011-10-30T12:23:00.004+01:00

2011: A Space Adventure
A short film by Simon Mesnard (2011)
Music by Karreo
Composition & SFX : Stelian Derenne
Direction : Mathieu Legros

* 3dsmax 2009 + vray 1.5 + after effects cs3
* made in 4-5 weeks approx. (off sound)

"A cosmonaut was sent to repair an old satellite. He just finished his mission when..."

This is not a sequel to 2001 : A Space Odyssey but some kind of tribute. The story of Kubrick's movie was supposed to take place exactly ten years ago. 2001 to 2011, I thought it was a good date to make something, even if it has no obvious relation with the original story.
If you are curious and want more informations, you can read this short online presentation, with some clues to understand the narration :

Rolling Stones: Shine a Light

2011-10-25T00:02:00.000+02:00

Shine a Light

AÑO: 2008
DURACIÓN: 122 min.
PAÍS: USA - UK
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: Martin Scorsese.
MÚSICA: The Rolling Stones.
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson.
ELENCO: Documentarl, Mick Jagger, Keith Richards, Ron Wood, Charlie Watts, Martin Scorsese, Christina Aguilera, Jack White, Bill Clinton.
PRODUCTORA: Paramount Vantage.

Documental sobre los Rolling Stones. Martin Scorsese ilumina con su propia visión a la más grande banda de rock de todos los tiempos. Un acercamiento riguroso, deslumbrante, divertido y profundamente humano a los cuatro miembros de los Rolling Stones a lo largo de su pasado y su más enérgico presente. Nunca una película se había acercado más al rock y el musical nunca había adquirido tantos decibelios. Son sus satánicas majestades como nunca antes se los había visto, con la mirada maestra de un gran cineasta que en esta película parece el quinto Rolling con la ayuda del mejor equipo técnico jamas reunido. (FILMAFFINITY)

Welcome to Hoxford

2011-10-18T17:32:00.000+02:00

Mediometraje basado en serie de comic-books Welcome to Hoxford creada por Eisner Award.

Enfrentamiento en un prisión entre humanos y hombres lobos.

Welcome to Hoxford
Directed by Julien Mokrani.
Written & Artistic Coordination by Samuel Bodin
With Jason Flemyng, Dexter Fletcher & Arben Bajraktaraj
Adapted from Ben Templesmith's comic published by IDW

Documental: Bowling for Columbine

2011-10-11T20:01:00.000+02:00

El documental Bowling for Columbine fue producido y protagonizado por Michael Moore. Toma como punto de partida la masacre del instituto Columbine (trágico tiroteo que tuvo lugar en 1999 en el Columbine High School) para realizar una reflexión acerca de la naturaleza de la violencia en los EE.UU.En el documental se tratan varios temas: la violencia en las escuelas estadounidenses, el uso de armas por parte de civiles y la "Teoría del miedo".Se muestra, desde el punto de vista de Moore, cómo los ciudadanos estadounidenses viven absortos en el miedo y la ignorancia, causados principalmente por los medios de comunicación, y hace mucho énfasis en el hecho de que la única salida que encuentre la mayoría de la población sea la posesión de armas de todo tipo y que su comercialización sea tan natural que cualquier persona pueda adquirirlas en un supermercado. También expresa que ese tipo de idea es inculcada desde la infancia por influencia paterna, por los medios de comunicación, etc. Moore recalca que la sociedad estadounidense posee el concepto erróneo "Por tener armas se es más responsable" o "Si no tienes armas eres negligente" o hasta de acudir a la policía solo por el hecho de que ésta no está armada.

El cantante de rock Marilyn Manson dio su punto de vista conforme a lo que se ha visto en la masacre de Columbine, puesto que tuvo que cancelar parte de su gira por respeto a los fallecidos, ya que la influencia de los medios culpa a su música e incluso hasta su persona, de haber sido la chispa de inicio de aquel desastre, sin embargo expresado en palabras del mismo deja una pregunta al aire sobre todo lo que ha pasado, y sobre algunas guerras como la que ocurrió en Kosovo "¿quién es más influyente, el presidente o Marilyn Manson?" en los últimos momentos de la entrevista se aclaró lo siguiente.

Moore: ¿Si pudieras decirle algo a los chicos de Columbine que les dirías?
Manson: No les diría nada, escucharía lo que ellos tienen que decir ya que eso es algo que nadie ha hecho aún.

Inclusive los creadores de South Park quienes también son originarios de Columbine dieron su punto de vista no solo de la cultura armamentista si no de la decadencia de la sociedad estadounidense debido al miedo, manipulación y represión por parte de los medios de comunicación incluso de la misma comunidad en general, hechos que los llevaron a crear esta serie satírica que hoy en día goza de fama mundial.

También se muestra un segmento animado donde se describe una breve recapitulación de la historia norteamericana, enfocándose a los antiguos peregrinos, quienes al sentirse inseguros e impotentes llevaron al territorio a un estado permanente de miedo desde La llegada de los colonos hasta las épocas recientes, pasando por la época de la guerra civil y la esclavitud junto con el empresario armamentista de la época, Samuel Colt, la fundación de la NRA y la consideración como grupo terrorista al Ku Klux Klan coincidiendo en el mismo año así como la segregación racial que se dio en años posteriores causando la migración de los grupos de raza blanca a los barrios de los suburbios donde permanecen a salvo según sus ideales.

Del mismo modo, Bowling for Columbine muestra la enorme contradicción en el pensamiento del sector pro-armas estadounidense teniendo estos como pensamiento fundamental que no hay ningún tipo de relación entre la masacre y las armas ya que estas fundamentalmente sirven para defender al pueblo estadounidense. Del mismo modo, en el documental se afirma que las muertes por disparo en los Estados Unidos se efectúan en manos de civiles y a causa de la pluralidad étnica, mientras que en Canadá, que también posee pluralidad étnica, el índice de muertes por disparo es mucho menor, ya que la gente no necesita armas para estar “tranquilos en sus casas”.

Entre las personalidades que Moore entrevista en este documental, se encuentra el actor Charlton Heston, uno de los líderes de la Asociación Nacional del Rifle, quien huye vergonzosamente de la entrevista cuando se le pide una opinión sobre otro desastre ocurrido donde un niño de 6 años disparó un arma contra una niña de casi la misma edad. Michael Moore se limitó a dejar la foto de la niña fallecida evidenciando esa ignorancia de parte de este mismo actor quien también en sus películas ha usado armas de fuego al igual que otros actores de acción.

wikipedia

Vídeo: Pink Floyd LONDON 1966-67

2011-10-06T13:57:00.000+02:00

Pink Floyd

LONDON 1966-67

(2005)

Syd Barrett – electric guitar

Roger Waters – bass guitar

Richard Wright – Farfisa organ

Nick Mason – Drums, percussion

"Interstellar Overdrive" (16:46)

"Nick's Boogie" (11:55)

Cine: El gabinete del doctor Caligari

2011-10-03T17:30:00.000+02:00

El gabinete del doctor Caligari
Das Kabinet des Dr. Caligari
Dirección Robert Wiene
Producción Rudolf Meinert y Erich Pommer
Guión Hans Janowitz y Carl Mayer
Música Giuseppe Becce
Fotografía Willy Hameister
Intérpretes Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Fehér, Lil Dagover, Hans Heinrich von Twardowski
País Alemania
Año 1920
Duración 71 min

El desquiciado Dr. Caligari y su fiel sonámbulo Cesare están vinculados con una serie de asesinatos en un pueblo de montaña alemán: Holstenwall. La mayor parte del argumento es presentado como un flashback.
El narrador, Francis, y su amigo Alan visitan un carnaval en el pueblo donde ven al Dr. Caligari y al sonámbulo Cesare, a quien el doctor presenta como una atracción. Caligari se ufana de que Cesare puede contestar cualquier pregunta si es cuestionado. Cuando Alan le pregunta a Cesare cuándo tiempo le queda de vida, Cesare le responde que morirá antes del amanecer del día siguiente, una profecía que se cumple.
Francis, junto con su novia Jane, investigan a Caligari y a Cesare, lo que resulta finalmente en el secuestro de Jane por parte de Cesare. Caligari ordena a Cesare matar a Jane, pero el esclavo hipnotizado se niega después de que su belleza lo cautiva.
Entonces, lleva a Jane fuera de su casa, llevando a los pueblerinos a una larga persecución. Durante esta cacería, Cesare tiene una caída mortal y los pobladores descubren que Caligari ha creado un muñeco de Cesare para distraer a Francis.
Francis descubre que Caligari es en realidad el director del hospital psiquiátrico local y, con la ayuda de sus colegas, descubre que está obsesionado con la historia de un místico llamado Caligari, quien en 1703 en el norte de Italia usó a un sonámbulo llamado Césare para asesinar personas.
Tras ser confrontado con el difunto Cesare, Caligari revela su manía y es encerrado en su propio asilo.

Una vuelta de tuerca revela que el flashback de Francis es realmente su fantasía: tanto él como Jane y Cesare son pacientes del asilo psiquiátrico y el hombre que dice es Caligari es su médico quien dice que será capaz de curarlo, después de esta revelación de la fuente de su delirio de su paciente.La idea de los guionistas era denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra: para ellos, Caligari inducía a un sonámbulo a cometer asesinatos del mismo modo que el Estado alemán inducía a un pueblo dormido a perpetrar crímenes, que de hecho se consumarían una década después, en la Segunda Guerra Mundial.

El guion original de la película, de Hans Janowitz y Carl Mayer fue modificado, y Wiene, seguramente presionado por la productora y esta por las autoridades alemanas, añadió una escena inicial y otra final que trastocaban el sentido de la historia, quedando convertida en el relato de un loco. Aunque la película suele considerarse una crítica contra el totalitarismo alemán, el final puede ser interpretado también como una oda al poder y la autoridad en contraposición a la anarquía y la locura.
La película se caracteriza por la estilización de los decorados (retorcidos y con ángulos imposibles), la forma exagerada de actuar y el coloreado posterior de las escenas, dejándolas en tonos azules, sepia o verdes. Hay también un curioso uso de máscaras para hacer fundidos en negro progresivos, destacando una parte de la acción.Los decorados están distorsionados, ya que se representan como si fueran una maqueta o cartones pintados superpuestos para crear ilusiones. De esta manera, se genera una sensación de angustia y de opresión casi constantes; nos encontramos ante un mundo puntiagudo y lleno de ángulos, constantemente amenazador.La filmación tuvo lugar durante diciembre de 1919 y enero de 1920. La película fue estrenada en la Marmorhaus de Berlín el 26 de febrero de 1920.

(Wikipedia)

Guión en inglés

Gregorian Master of Chant In Santiago de Compostela

2011-09-29T08:25:00.001+02:00

Gregorian Master of Chant

In Santiago de Compostela - 2001

01. I Still Haven't Found What I'm Looking For
02. Brothers In Arms
03. Tears In Heaven
04. Loosing My Religion
05. When A Man Loves A Woman
06. Still I'm Sad
07. Vienna
08. Nothing Else Matters
09. The Sound Of Silence
10. Sebastian

Metallica - Orgullo, Pasion y Gloria

2011-09-21T22:31:00.001+02:00

Metallica
Orgullo, Pasión y Gloria
3 noches en la Ciudad de México
Live Mexico City 2009
(Documental completo - 2,25 h)

(dedicado a mis amigos de México)

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Cuarto Milenio: Los illuminati y el Club Bilderberg

2011-09-19T22:45:00.002+02:00

El club Bilderberg es una sociedad discreta o hermética que nace en 1954 a raíz de una reunión que tuvo lugar en el Hotel Bilderberg, situado en una pequeña localidad cercana a Amsterdam bajo el patrocinio de la familia real holandesa y el magnate Rockafeller. A esta reunión asistieron 67 personas, todas ellas pertenecientes a las capas más altas de la sociedad. Miembros de las monarquías europeas, prominentes banqueros y grandes personalidades de la esfera política, desarrollaron varias jornadas de reuniones en las que se debatían temas de índole político-económica con proyección internacional.Más concretamente, se pretendía fomentar la unidad atlántica, frenar el expansionismo soviético y favorecer el desarrollo económico de los países del área occidental. Todo esto supuestamente, porque de lo allí hablado no trascendió a la luz pública ni una sola palabra. Es la impronta de esta organización: el secretismo. De esa particularidad, se ha nutrido el misterio que envuelve a Bilderberg.
Actualmente esta conferencia Bilderberg, es una conferencia anual a la que sólo se puede asistir mediante invitación, con cerca de 130 invitados, la mayoría de los cuales son personas consideradas de influencia en los círculos empresariales, académicos y políticos.El grupo se reúne una vez al año en complejos de cinco estrellas de Europa y Norteamérica, donde la prensa no tiene ningún tipo de acceso.
Según varias investigaciones, esta entidad, que lleva reuniéndose anualmente desde su primera convocatoria, tendría por finalidad apropiarse de los resortes del poder; los cuales caerían en manos de una élite que persigue el control mundial. Para ello, siempre según estas teorías, extienden sus tentáculos en las más importantes y significativas organizaciones tales como la ONU, la OTAN e incluso la OMS. Tal es así, que se le llega a señalar como responsable máximo del estallido de ciertas guerras como la acaecida en los Balcanes.Nada escaparía a su supervisión, ni siquiera el mundo del entretenimiento.
Se dice que establecen las directrices a seguir en la industria del cine, de la música, etc. Ellos, la élite formada por banqueros, hombres de negocios, dueños de los más importantes medios de comunicación y máximos mandatarios políticos, decidirían qué está de moda y qué no; qué tendría que figurar en los libros de texto de nuestros hijos y qué debe ser obviado. Cabe decir que la economía mundial es una marioneta en sus manos.Algunos de los participantes en estas reuniones, en concreto los pertenecientes al gobierno estadounidense, en el momento de su asistencia estarían - se alega- cometiendo una ilegalidad, debido a que ciertas leyes de los EE.UU. no permitirían mantener este tipo de reuniones "secretas" con empresarios, militares o miembros del poder de otros países sin que sean advertidas de ello las autoridades competentes.
Sin embargo, el dato más escalofriante y macabro, nos lo aportan aquellas opiniones que llegan a asegurar que el Club Bilderberg estaría detrás de un plan de exterminio que supondría la aniquilación del 80 % de la población mundial. Son palabras mayores pero hay quien, casi sin pestañear, casi sin dudar, otorgan veracidad a algo tan inquietante.¿Por qué desearía esta sociedad secreta llevar a cabo tan diabólico plan? ¿Qué medios utilizaría para realizarlo?Hay quien pretende dar respuesta a estos interrogantes asegurando que, detrás de futuros conflictos bélicos, hambrunas y aparición de enfermedades hasta el momento desconocidas o no (con la sombra alargada de la complicidad de cierto sector de la industria farmacéutica estarian detras de la gripe ah1n1, sida, vacunas y alimentos esterilizadores) estará la mano negra de Bilderberg. En lo que al supuesto exterminio se refiere, la respuesta también se les antoja sencilla: para la dominación mundial que perseguiría el Club, cuantos menos seamos más sencilla resultaría esa tarea.Actualmente el Club Bilderberg sigue reuniéndose cada primavera bajo las más férreas medidas de seguridad, y el mutismo y la máxima discreción siguen siendo su seña de identidad.

Documental: Woodstock. 3 Days of Peace & Music)

2011-09-16T23:54:00.000+02:00

El festival de música y arte de Woodstock es uno de los festivales de rock y congregación hippie más famosos de la historia. Tuvo lugar en una granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16, 17 y la madrugada del 18 de agosto de 1969. El festival tiene el nombre de Woodstock porque inicialmente estaba programado para que tuviese lugar en el pueblo de Woodstock en el condado de Ulster, Estado de Nueva York. La población local siempre se opuso al evento, pero Sam Yasgur convenció a su padre, Max Yasgur, para acoger al concierto en los terrenos de la familia, localizados en Sullivan Country, también en el Estado de Nueva York.Ocurrieron tres muertes en el festival de Woodstock: una debida a una sobredosis de heroína, otra tras una ruptura de apéndice y una última por un accidente con un tractor. También ocurrieron dos nacimientos no confirmados en el festival. Se realizó el famoso documental Woodstock (Woodstock. 3 Days of Peace & Music), dirigido por Michael Wadleigh y editado y montado entre otros por Martin Scorsese. Fue estrenado en 1970 y ganó el Premio Oscar al mejor documental. La película ha recibido el título de "culturalmente significativa" por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos y seleccionada para su conservación en el National Film Registry.

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No.	Cantante / Grupo	Título de la canción
1.	Crosby, Stills & Nash	"Long Time Gone"
2.	Canned Heat	"Going Up the Country"
3.	Crosby, Stills & Nash	"Wooden Ships"
4.	Richie Havens	"Handsome Johnny"
5.	Richie Havens	"Freedom" / "Sometimes I Feel Like a Motherless Child"
6.	Canned Heat	"A Change Is Gonna Come"
7.	Joan Baez	"Joe Hill"
8.	Joan Baez	"Swing Low Sweet Chariot"
9.	The Who	"We're Not Gonna Take It" / "See Me, Feel Me"
10.	The Who	"Summertime Blues"
11.	Sha-Na-Na	"At the Hop"
12.	Joe Cocker and the Grease Band	"With a Little Help from My Friends"
13.	Público	"Crowd Rain Chant"
14.	Country Joe and the Fish	"Rock and Soul Music"
15.	Arlo Guthrie	"Coming Into Los Angeles"
16.	Crosby, Stills & Nash	"Suite: Judy Blue Eyes"
17.	Ten Years After	"I'm Going Home"
18.	Jefferson Airplane	"Saturday Afternoon" / "Won't You Try"
19.	Jefferson Airplane	"Uncle Sam's Blues"
20.	John Sebastian	"Younger Generation"
21.	Country Joe McDonald	"The "Fish" Cheer / I-Feel-Like-I'm-Fixin'-To-Die Rag"
22.	Santana	"Soul Sacrifice"
23.	Sly and the Family Stone	"Dance to the Music" / "I Want to Take You Higher"
24.	Janis Joplin	"Work Me, Lord"
25.	Jimi Hendrix	"Voodoo Child (Slight Return)" (llamado "Voodoo Chile" en la película)
26.		"The Star-Spangled Banner"
27.		"Purple Haze"
28.		"Woodstock Improvisation"
29.		"Villanova Junction"
30.	Crosby, Stills, Nash & Young	"Woodstock" / "Find the Cost of Freedom"

Iribel on Deviantart

2011-09-12T23:11:00.000+02:00

Iribel/Deviantart (Finland)

Playlist (goear.com) Nightwish

Documental: Fahrenheit 9/11

2011-09-11T12:28:00.001+02:00

Fahrenheit 9/11 es una película documental estrenada en 2004 y dirigida por el cineasta estadounidense Michael Moore. Trata sobre las causas y consecuencias de los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Estados Unidos, haciendo referencia a la posterior invasión de Irak liderada por ese país y Gran Bretaña. Además, intenta determinar el alcance real de los supuestos vínculos entre las familias del presidente de los Estados Unidos en el momento de los atentados, George W. Bush, y los Bin Laden, acaudalada familia de Osama bin Laden.
El título de la película hace referencia a la novela Fahrenheit 451 (233 °C, que representa la temperatura a la que arde el papel), escrito en 1953 por Ray Bradbury, y también a los atentados del 11 de septiembre de 2001 (en Estados Unidos la convención para representar día y mes consiste en colocar primero este último, por lo que "11 de septiembre" se suele escribir como "9/11").
Ray Bradbury protestó contra el uso del título de su novela.Sugiriendo "la temperatura a la que arde la libertad", este documental hace hincapié en la relación entre la familia Bush y personas cercanas a ella, con eminentes miembros de familias de Arabia Saudí (incluida la familia de Bin Laden) en una relación que se extiende durante más de treinta años, así como la evacuación de familiares de Osama bin Laden organizada por el gobierno de George W. Bush después de los ataques del 11 de septiembre. Si bien dicha relación de negocios entre los clanes Bush y Bin Laden no es discutida, la misma no es ampliamente conocida.
A partir de ahí, la película da pistas sobre las verdaderas razones que impulsaron al gobierno Bush para invadir Afganistán en 2001 e Irak en 2003, acciones que, según Moore, corresponden más a la protección de los intereses de las petroleras norteamericanas que al deseo de liberar a los respectivos pueblos o evitar potenciales amenazas.
El documental insinúa que la guerra con Afganistán no tenía como principal objetivo capturar a los líderes de Al Qaeda sino favorecer la construcción de un oleoducto, y que Irak no era en el momento de la invasión una amenaza real para Estados Unidos sino una fuente potencial de beneficios para las empresas norteamericanas.

Discurso que dio Michael Moore cuando fue galardonado con la Palma de Oro en la edición quincuagésimo séptima (57ª) del Festival de Cine en Cannes: "No puedo sino expresar mi afecto y gratitud al jurado, al Festival, a Gilles Jacob, Thierry Frémaux, Bob y Harvey de Miramax, a todo el equipo que ha trabajado en esta película. [...] Algo me hace sospechar que con lo que han hecho hoy aquí y la respuesta de todos en el festival conseguirán que muchos estadounidenses vean la película. No puedo dejar de agradecérselos. Están ayudando a clarificar esto; hay mucha gente que quiere la verdad y otra que quiere esconderla en el ropero, simplemente mirar para otro lado. En una ocasión un gran presidente republicano de EE.UU. dijo: «Si tan sólo das a la gente la Verdad, los republicanos, los estadounidenses se salvarán». [...] Dedico esta Palma de Oro a mi hija, a los niños y niñas estadounidenses, y a Iraq, y a todos aquellos que en el mundo entero están sufriendo por nuestras acciones".

Los barcos de guerra

2011-09-10T20:22:00.000+02:00

Un buque de guerra es aquella nave concebida y construida para la guerra. Los buques de guerra normalmente son construidos de manera totalmente diferente a los buques mercantes, poseen sistemas de armas, están preparados para recibir daños y normalmente son más rápidos y maniobrables que éstos. A diferencia de las naves mercantes, las de guerra solamente llevan sistemas de armas, munición y abastecimiento para su tripulación. Los buques de guerra normalmente pertenecen a la armada de su país, aunque ha habido veces, en el pasado, que fueron operados por personas individuales o compañías particulares.En tiempos de guerra la diferencia entre buque de guerra y mercante frecuentemente es confusa.

En guerra, muchas veces, los buques mercantes han sido artillados y empleados como buques auxiliares, como sucedió con los buques-Q en la Primera Guerra Mundial y con los mercantes armados en la Segunda Guerra Mundial. Hasta el siglo XVII era común que naves mercantes fueran obligadas a entrar al servicio naval y no era raro que hasta la mitad de las naves de una flota fueran naves mercantes artilladas. Hasta que el peligro de la piratería terminó en el siglo XIX, era común artillar grandes naves mercantes como eran los galeones.

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Documental: Comprar, tirar, comprar

2011-09-07T16:17:00.001+02:00

"Comprar, tirar, comprar" es un documental que nos revela el secreto de la obsolescencia programada, el motor de la economía moderna.

Baterías que se 'mueren' a los 18 meses de ser estrenadas, impresoras que se bloquean al llegar a un número determinado de impresiones, bombillas que se funden a las mil horas... ¿Por qué, pese a los avances tecnológicos, los productos de consumo duran cada vez menos?

Rodado en España, Francia, Alemania, Estados Unidos y Ghana hace un recorrido por la historia de una práctica empresarial que consiste en la reducción deliberada de la vida de un producto para incrementar su consumo porque, como ya publicaba en 1928 una influyente revista de publicidad norteamericana, "un artículo que no se desgasta es una tragedia para los negocios".

Fabricados para no durar (Comprar, tirar, comprar) from ATTAC.TV on Vimeo.

Bob Dylan - Live at Newport Folk Festival

2011-08-29T03:23:00.002+02:00

"Ladies and gentlemen, the person that's going to come up now has a limited amount of time. His name is Bob Dylan..."

1963
01. Intro/ All I Really Want To Do (1965)
02. North Country Blues
03. With God On Our Side
04. Talkin' World War III Blues
05. Who Killed Davey Moore?
06. Only A Pawn In Their Game
07. Blowin' In The Wind

1964
08. Mr. Tambourine Man
09. It Ain't Me Babe
10. With God On Our Side
11. Chimes Of Freedom

1965
12. If You Gotta Go, Go Now
13. Love Minus Zero/ No Limit
14. Maggie's Farm (electric)
15. Like A Rolling Stone (electric)
16. Mr. Tambourine Man
17. It's All Over Now, Baby Blue

Deathlands: Homeward Bound (2003)

2011-08-17T22:23:00.000+02:00

El año es 2104. Durante el último siglo, el mundo ha sido devastado por la guerra y el desastre. Colores de radiación de los cielos y una niebla química roja pende sobre millas de tierra sin vida. El gobierno tal como lo conocemos ha sido destruido. La civilización ha involucionado hacia un tiempo de estados feudales y ley marcial.
Bienvenido a la nueva realidad. A través de los antiguos Estados Unidos de América, ahora conocido simplemente como Deathlands, tiranos poderosos han creado reinos provisionales, oprimiendo y esclavizando a los supervivientes del siglo 21 ... excepto unos cuantos héroes.
Ryan Cawdor, su hermosa novia mutante Krysty Wroth, el mortífero JB Dix y el letal albino adolescente Jak Laurent son la esperanza para un futuro renacer. Nómadas por naturaleza, ellos deambulan por Deathlands deafiando a todos los que pretenden quitarles su libertad. Basado en la serie best seller Deathlands, de James Axler.

Documental: Earthlinks

2011-08-06T09:21:00.000+02:00

Earthlings - Terricolas es un documental acerca de cómo nuestra especie utiliza actualmente a otras especies animales. Para ello se utilizan cámaras ocultas e imágenes del día a día de las prácticas de algunas de las más grandes industrias del mundo que se enriquecen con los animales.

El documental está dividido en cinco partes: mascotas, alimentación, pieles, entretenimiento y experimentación. La finalidad del documental es la denuncia de ciertas actividades respecto a otras especies a las que la mayoría de la población está habituada y cuyo tipo de discriminación se ha normalizado hasta la fecha.

"Dado que todos habitamos la Tierra, todos somos considerados terrícolas. No hay sexismo, racismo ni especismo en el término terrícola y abarca a todos y cada uno de nosotros, de sangre caliente o fría, mamífero, vertebrado, ave, reptil, anfibio, pez o humano. Los humanos por lo tanto, no siendo la única especie sobre el planeta, comparten este mundo con millones de otras criaturas, dado que todas evolucionamos aquí juntas. Sin embargo, somos los humanos quienes tratamos de dominar la Tierra, a menudo tratando a otros seres como meros objetos. Esto es lo que quiere decir especismo. Por analogía con el sexismo o el racismo, el término especismo es un prejuicio o actitud favorable hacia los intereses de los miembros de la misma especie y contra los miembros de otras especies. Si un ser sufre, no existe justificación para no tener en consideración ese sufrimiento. No importa la naturaleza del ser. El principio de igualdad requiere, que el sufrimiento de uno, sea valorado de igual forma que el sufrimiento del otro. El racista viola el principio de igualdad, al dar mayor peso a los intereses de los miembros de su propia raza, cuando hay un conflicto entre sus intereses y los de otra raza. El sexista viola el principio de igualdad, al favorecer los intereses de su propio sexo. Igualmente, el especista permite que los miembros de su misma especie, sobrepasen los intereses de los miembros de otras especies. En cada caso el patrón es el mismo. Racismo, sexismo, especismo."

Earthlings tardó cinco años en producirse. Lo que comenzó como una serie de Anuncios de Servicio Público, fue convertido en un largometraje de cine con cada uno de los principales animales relacionados con la cuestión. Su escritor y director, Shaun Monson, inició el proceso con escenas de animales en los refugios en South Central LA, Long Beach y North Hollywood. Pronto su interés se trasladó a otras esferas de problemas, como la alimentación y la investigación científica. Con el tiempo, acumuló una pequeña biblioteca de material de varias organizaciones por los derechos de los animales, y comenzó a editar.

Documental completo (1h 35m) en español

Monólogo de Miguel Lago - Soy un hijoputa

2011-07-31T14:45:00.000+02:00

Miguel Lago
Monólogo: Soy un hijoputa

Vídeo completo: The Rolling Stones - Bridges to Babylon

2011-07-23T14:17:00.001+02:00

Bridges to Babylon es un álbum de estudio publicado por The Rolling Stones en 1997, sucesor de Voodoo Lounge. Su lanzamiento fue seguido de una nueva gira mundial, el Bridges to Babylon Tour, con 108 actuaciones alrededor del mundo.

diseño de Jay Bryan

01. (I CAN'T GET NO) SATISFACTION
02. LET'S SPEND THE NIGHT TOGETHER
03. FLIP THE SWITCH
04. GIMME SHELTER
05. WILD HORSES
06. SAINT OF ME
07. OUT OF CONTROL
08. WAITING ON A FRIEND
09. MISS YOU
10. I WANNA HOLD YOU
11. ACROSS THE IDGE
12. IT'S ONLY ROCK'N'ROLL (BUT I LIKE IT)
13. LIKE A ROLLING STONE
14. SYMPATHY FOR THE DEVIL
15. TUMBLING DICE
16. HONKY TONK WOMAN
17. START ME UP
18. JUMPING JACK FLASH
19. YOU CAN'T ALWAYS GET WHAT YOU WANT
20. BROWN SUGAR

Vídeo completo: Pink Floyd The Wall

2011-07-20T21:00:00.001+02:00

The Wall (El muro) nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada “Pink”, que se convierte en un antihéroe mentalmente enfermo debido a los traumas que la vida le va deparando. La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial (Another Brick in The Wall Parte 1 y 3) en una acción en la que los mandos británicos sacrificaron a muchos soldados, la sobreprotección materna (Mother), la opresión de la educación británica (Another Brick In The Wall Parte 2), los fracasos sentimentales, su mundo de superestrella, etc., son convertidos por él en ladrillos de un muro que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva.
Durante un intento de suicidio con drogas, la alucinación lo convierte en un dictador fascista, el polo radicalmente opuesto a lo que “Pink” siente y es, señalando el punto sin retorno a la locura, pero que “Pink” no querrá traspasar. Finalmente se celebra "un juicio" ficticio y simbólico contra “Pink”, que termina con la condena a derribar el muro y exponerse al mundo exterior, en una liberación final que permite a “Pink” volver a “fluir” y vivir otra vez.

La versión de cine de The Wall se filmó en 1982 por la Metro-Goldwyn-Mayer bajo el título de Pink Floyd The Wall, con Alan Parker como director y Bob Geldof (el líder de los Boomtown Rats) como "Pink". También participaron en escenas Bob Hoskins y la joven Joanne Whalley. La película sigue de cerca la estructura musical del álbum, con algunas pocas modificaciones, pero cuenta con una intriga específica y narrativa. Las escenas de animación, a cargo de Gerald Scarfe, son un elemento asimismo clave de la obra.

eBook: Graffiti en Sao Paulo

2011-07-14T20:50:00.001+02:00

Ekosystem

Podcast: Los pilares de la tierra

2011-07-10T10:19:00.002+02:00

Los pilares de la Tierra es una novela histórica del autor británico Ken Follett ambientada en Inglaterra en la Edad Media, en concreto en el siglo XII, durante un periodo de guerra civil conocido como la Anarquía inglesa, entre el hundimiento del White Ship y el asesinato del arzobispo Thomas Becket.
La novela describe el desarrollo de la arquitectura gótica a partir de su precursora, la arquitectura románica y las vicisitudes del priorato de Kingsbridge en contraste con el telón de fondo de acontecimientos históricos que se estaban produciendo en ese momento. A pesar de que Kingsbridge es el nombre de una localidad inglesa real, el Kingsbridge al que se hace referencia en la novela es, en realidad, un emplazamiento ficticio representativo del típico pueblo inglés en el que se establecían mercados en la época.

Primer capítulo

En la siguiente lista de reproducción los capítulos están ordenados según fueron subidos a ivoox, por lo que están en sentido inverso y hay que empezar por el último.

Helloween - Keeper Of The Seven Keys: Legacy World Tour 2005-2006

2011-07-05T17:51:00.001+02:00

Helloween - Keeper Of The Seven Keys: Legacy World Tour 2005-2006
Live on 3 continents

01. Intro
02. The King For 1000 Years
03. Eagle Fly Free
04. Hell Was Made In Heaven
05. Keeper Of The Seven Keys
06. A Tale That Wasn't Right
07. Drum Solo
08. Mr. Torture
09. If I Could Fly
10. Guitar Solo
11. Power
12. Future World
13. The Invisible Man
14. Mrs. God
15. I Want Out
16. Dr. Stein
17. Outro
Extras:
1. Road Movie
2. Interviews
3. Mrs. God (videoclip)
4. Light The Universe (videoclip)
5. Occasion Avenue (live)
6. Hаlloween (live)

Andi Deris - vocals
Michael Weikath - guitars
Sascha Gerstner - guitars
Markus Grosskopf - bass
Dani Loble - drums

BARAKA

2011-07-03T12:59:00.000+02:00

Documental filmado en 24 países que narra, en términos eminentemente visuales, aurales y musicales, la evolución de la Tierra y de la Humanidad, al mismo tiempo que señala las formas en que el ser humano se ha relacionado con su medio ambiente. La aparente fragilidad de la vida humana es contrastada con la grandeza de sus obras, al mismo tiempo que se subraya la desigual relación entre hombre y naturaleza. En medio de estos contrastes, la espiritualidad de la humanidad surge como el elemento más importante que la distingue de otras especies.

"Baraka" se inserta en la nueva tradición del documental, cuyas obras importantes incluyen a "Koyaanisqatsi" (1983) y "Powaqqatsi" (1988) del estadounidense Reggio. Todas estas cintas concentran su poder narrativo en una mezcla, aparentemente casual, de imágenes, música y sonidos naturales o artificiales. Asimismo, comparten una visión propia de los umbrales de un nuevo siglo: la reflexión sobre las complejas relaciones que los seres humanos hemos establecido con la naturaleza y con los medios ambientes que hemos creado.

El título de "Baraka" proviene de la palabra de origen Sufi -una comunidad religiosa islámica- que significa "aliento de vida". A partir de esta premisa, la mancuerna integrada por el director Fricke y el productor Magidson crearon un poema visual místico de proporciones globales. Carente de palabras y con una línea temporal fragmentada, '"Baraka" es un filme que lo mismo comenta acerca de la santidad que del materialismo, en una escala íntima, muy cercana a las emociones de los espectadores.

La música se ha constituído en elemento esencial de la nueva tradición documental y la banda sonora de "Baraka" no es la excepción. Las composiciones de Michael Stearns contribuyen a aumentar la intensidad con que se perciben las imágenes de la cinta, proporcionando al espectador una experiencia casi extra-sensorial.

FICHA TÉCNICA

Título original: Baraka
Año: 1992
Duración: 96 min.
Origen: USA
Director: Ron Fricke
Banda sonora: Lisa Gerrard, Brendan Perry y Michael Stearns

Concierto completo: Blackmore's Night - Paris Moon

2011-07-01T21:29:00.000+02:00

Blackmore's Night - Paris Moon [2007]

01. Introduction
02. Past Times With Good Company
03. Rainbow Blues
04. Play Minstrel Play
05. World Of Stone
06. Under A Violet Moon
07. Soldier Of Fortune
08. Durch Den Wald Zum Bachaus
09. Diamonds & Rust
10. Minstrel Hall
11. Home Again
12. Streets Of London
13. Renaissance Faire
14. Keyboard Solo
15. Ariel
16. Loreley
17. The Clock Ticks On
18. Fires At Midnight
19. St. Theresa
20. The Village Lanterne

eBook: Graffiti en Berlin

2011-06-29T19:20:00.000+02:00

Graffiti en Berlín

Concierto completo: Ozzy Osbourne at Budokan

2011-06-25T09:46:00.000+02:00

Graffiti en los trenes rusos

2011-06-20T23:55:00.001+02:00

Graffiti: Freight trains from Russia

Podcast: Latin Jazz

2011-06-14T09:09:00.000+02:00

Fotos de varios autores de Flickr
Podcast: JAZZ TRACKS 16 Especial Latin Jazz

DIZZY GILLESPIE - MANTECA

IRAKERE - XIOMARA
TITO PUENTE & EDDIE PALMIERI - PICADILLO JAM
PONCHO SÁNCHEZ - SABROSO
HERNÁN LÓPEZ - COUNTDOWN
MICHEL CAMILO BIG BAND - JUST KIDDING
OMAR SOSA - DESDE ALLÁ
HÉCTOR INFANZON - AZÚCAR

The Freddie Mercury Tribute Concert

2011-06-11T01:53:00.001+02:00

Tributo a Freddie Mercury con el resto del grupo y numerosos invitados interpretando los grandes éxitos de Queen.
20 de abril de 1992
Wembley Arena
Brian May, John Deacon y Roger Taylor.
Invitados: Elton John, Roger Daltrey, Tony Iommi, David Bowie, Mick Ronson, James Hetfield, George Michael, Seal, Paul Young, Annie Lennox, Lisa Stansfield, Robert Plant, Joe Elliott, Phil Collen, Axl Rose, Slash, Liza Minnelli.

Joe Elliott/Slash - Tie Your Mother Down
Roger Daltrey/Tony Iommi - Heaven and Hell (intro), Pinball Wizard (intro), I Want It All
Zucchero - Las palabras de amor
Gary Cherone/Tony Iommi - Hammer to Fall
James Hetfield/Tony Iommi - Stone Cold Crazy
Robert Plant - Innuendo (con fragmentos de Kashmir), Thank You (intro), Crazy Little Thing Called Love
Brian May/Spike Edney - Too Much Love Will Kill You
Seal - Who Wants to Live Forever
Lisa Stansfield - I Want to Break Free
David Bowie/Annie Lennox - Under Pressure
Ian Hunter/David Bowie/Mick Ronson/Joe Elliot/Phil Collen - All The Young Dudes
David Bowie/Mick Ronson - Heroes/Padre nuestro
George Michael - '39
George Michael - Somebody to Love
Elton John/Axl Rose - Bohemian Rhapsody
Elton John/Tony Iommi - The Show Must Go On
Axl Rose - We Will Rock You
Liza Minnelli - We Are The Champions

Born to hope

2011-06-07T00:57:00.002+02:00

Born to hope

El nacimiento de la esperanza

Largometraje independiente basado en las historias de la Tierra Media de Tolkien.

Director: Kate Madison

Guionistas: Paula DiSante (bajo la inspiración de J.R.R. Tolkien)

Actores principales: Christopher Dane, Beth Aynsley y Kate Madison

Hay muchas historias en la historia de nuestro mundo.

Muchas se han perdido,

dispersas en los vientos del tiempo,

más allá de la memoria del hombre.

Pero esta historia, nuestra historia,

no debe ser olvidada...

Venimos del agua,

que viene a través de los días antiguos,

a través de largos años hasta este momento,

transcurriendo a través de nuestras vidas

como la línea de sangre de los Reyes,

una corriente que fluye rápida

de memoria y aflicción.

Una gota de sangre

y luego otra

pueden llegar a ser un murmullo,

un río, un raudal creciente, imparable,

que con el tiempo quebranta toda resistencia

para fluir una vez más

en el viaje hacia su destino.

El remanente de los fieles, los Dúnedain,

los hombres del oeste,

estaban dispersos, eran pocos

y acosados por muchos peligros.

El Señor Oscuro Sauron

no ha olvidado el pasado,

y de todos los pueblos de la Tierra Media

no ocupó ninguno con más odio y más terror

que el de los Dúnedain.

Extendió su voluntad entre sus siervos

y a través de largos años

siempre intentó descubrir si los herederos de Isildur

aún seguían vivos

de modo que pudiera destruirlos

y el último de sus mayores enemigos

se perdería para siempre.

A finales de la Tercera Edad, en la Tierra Media, el poder del malvado Sauron se incrementa. Sus orcos se dedican a perseguir a los escasos miembros restantes del linaje de Elendil el Alto, cuya sangre aún fluye por las venas de los últimos de los dúnedain. Dírhael, su esposa Ivorwen y su hija Gilraen son emboscados por un grupo de orcos mientras huyen del ataque a su poblado; pero resultan salvados por un grupo de montaraces guiados por Arathorn. Sin lugar seguro al que ir, los refugiados son conducidos por Arathorn a Taurdal,NB 1 el poblado gobernado por su padre y capitán de los dúnedain del norte, Arador. Una vez allí, Arathorn y Arador especulan sobre la causa del interés de los orcos en encontrar joyas de los dúnedain. Durante su estancia en Taurdal, Gilraen se enamora de Arathorn.

A la vista de los ataques a los asentamientos vecinos, Arador conduce a sus fuerzas en una campaña contra los orcos de la zona en un intento de devolver la paz a la región. Mientras tanto, envía a Arathorn por su cuenta para que intente determinar el sentido de los ataques. Arathorn descubre que los orcos sirven a Sauron, que busca el Anillo de Barahir. Arathorn y Gilraen reciben la bendición de Arador para casarse, pero Arathorn no es capaz de juntar el arrojo necesario para pedir a Dírhael la mano de su hija. En ese momento, Arador es convocado a Rivendel para unirse al concilio de Elrond, y la boda debe posponerse hasta su regreso, cuando Arathorn sí consigue afrontar la pedida a Dírhael, y el matrimonio se celebra.

Un año más tarde, Arador resulta muerto por un troll de las montañas en los Páramos Fríos, lo que convierte a Arathorn en capitán de los dúnedain. Gilraen queda embarazada y da a luz un hijo, Aragorn. Taurdal vive en paz durante un tiempo, hasta que Elladan y Elrohir, los hijos de Elrond, llegan con noticias de Rivendel. Elrond percibe que el peligro vuelve a amenazar a la región, y pide que Gilraen y Aragorn acudan a Rivendel por su seguridad, como es además tradición entre los herederos de la capitanía de los dúnedain. Antes de que Arathorn y Gilraen pudieran tomar una decisión, una banda de orcos ataca el poblado. Son derrotados, y Arathorn guía a los montaraces en persecución de los que huyen. Consiguen alcanzarlos, pero Arathorn resulta mortalmente herido en la acción. Sin un capitán capaz de liderarlos, los dúnedain abandonan Taurdal y se esconden en la espesura de los bosques de Rhudaur, mientras el heredero Aragorn es conducido a Rivendel.

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Podcast: Juego de Tronos

2011-05-31T13:21:00.001+02:00

Podcast del audiolibro Juego de Tronos, de George R.R. Martin

Este es un formato ideal para los que ya hemos leído los libros y nos viene bien darle un repaso a la historia mientras hacemos otras cosas.

(Atención: Los capítulos están en orden inverso)

calendario winter is coming

Podcast: Jazz life

2011-05-25T09:50:00.001+02:00

Canal Jazz Life, de Mauricio Ortega, en iVoox

Video: The Human Animal - The Language of the Body

2011-05-21T00:18:00.001+02:00

The Human Animal - The Language of the Body (1994)
A Personal View of the Human Species by Desmond Morris.

This episode focuses on the planet's most advanced animal, beginning with a look at how man communicated before the evolution of language. Some gestures and expressions are so ingrained that we have not been able to erase them from our vocabulary.

Documental: El salto infinito

2011-05-14T10:09:00.000+02:00

En este documental nos enfrentamos al gran enigma humano: El salto evolutivo más extraordinario que ha dado nuestra especie ocurrido hace 41.000 años.

25 de junio 2009.- Chamanes, rituales, lugares prohibidos al público… y hallazgos inesperados que nadie había visto hasta el momento. El resultado: "El salto infinito", un nuevo 'Confidencial Iker Jiménez' -la marca creada por el director de 'Cuarto Milenio' para sus reportajes especiales- producido por Plural para Cuatro.

Iker Jiménez y su equipo han pasado ocho meses bajo tierra, viendo y filmando con la misma luz y la misma perspectiva que lo hacía el hombre prehistórico. Las cavernas y sus secretos han sido su objetivo. Por encima de todo eso, y dando nombre al documental, se encuentra la incógnita del gran misterio de nuestra especie. Un asunto para el que la ciencia aún no tiene respuesta: ¿en qué momento nos hicimos realmente humanos?

El homo Sapiens Sapiens, de pronto, adquiere conciencia propia, creencias, símbolos, arte, religión, lenguaje. Somos lo que somos justo a partir de ese instante. Y todo surge en una cueva. Habitualmente son enclaves en los que nadie puede entrar. Pero hemos ido allí, para contarlo y mostrarlo. Creo que mucha gente va a impresionarse. Porque lo hemos visto y filmado exactamente como lo veían ellos, con sus mismas luces y sombras".

Altamira, Niaux, La Pasiega, El Castillo, Santián, Los Casares, La Garma, Las Monedas, Las Chimeneas, La Hoz, Más D, Azil… Más de veinte santuarios de la Prehistoria serán mostrados de una forma que jamás se ha visto en la televisión.

"Hemos metido nuestras cámaras -asegura Iker Jiménez- con largas pértigas especiales en conductos, tubos y pasadizos donde no había llegado el ojo humano. En camarines de los primeros ritos y los primeros dioses. Lugares oscuros y profundos que solo eran aptos para iniciados. Y las sorpresas han sido monumentales".

Uno de los objetivos de este trabajo es hacer justicia con figuras como Marcelino Sanz de Sautuola, descubridor de Altamira y del arte rupestre. "El descubridor del primer arte -dice Iker Jiménez-, de los primeros signos, del primer lenguaje visual, era español. Nada más ver junto a su hija algunas de las pinturas de la Cueva de Altamira supo que se encontraba ante el legado del hombre antiguo. Pero los científicos le ningunearon hasta su muerte. Fueron inmisericordes con él. Altamira fue la gloria y maldición de aquel hombre. La gente no sabe que hasta que no transcurrieron veinte años, con una serie de hallazgos en Francia, no rectificaron. El arte de las cavernas existía y quería decirnos algo.

Algo que aún no comprendemos. Altamira, la Capilla Sixtina del Paleolítico, fue la primera cueva pintada descubierta. Sautuola, antepasado de la familia Botín, cántabro, curioso y valiente, se peleó con todo el mundo defendiendo la veracidad de lo que había encontrado. Le llamaron falsificador y le dijeron que esas pinturas las había hecho él mismo con unos pastores. En aquella época, 1879, ni siquiera había concepto de hombre de la Prehistoria. Esto merecería no un documental, sino una película. Hemos accedido a material sorprendente y es momento de que se conozca esta historia. La historia de un hombre adelantado a su tiempo al que machacaron injustamente. Si Sautuola hubiese nacido en Boston sería mundialmente reconocido. Pero aquí solo cabe el olvido entre el público general. Y eso no puede ser", concluye el director y presentador del especial.

En este nuevo Confidencial intervienen las primeras figuras mundiales en la investigación del arte prehistórico y de los enigmas de la mente humana. Destacamos a Jean Clottes –el prehistoriador más importante e influyente del mundo, conservador general de la UNESCO de Arte Rupestre–, el arqueólogo Lewis Williams, autor de la revolucionaria tesis de La Mente en la Caverna, José Antonio Lasheras, director de la Cueva de Altamira; José María Ceballos, director de Cuevas de Cantabria; Manuel Martín Loeches, coordinador de Neurociencia Cognitiva de la Universidad Complutense; el Dr. Miguel Escudero, experto en investigación del sueño Rem de la Universidad de Sevilla; Antonio Rosas, paleobiólogo del CSIC y descubridor del grupo sanguíneo de los Neandertales.

Como conclusión, el director de El salto infinito afirma que "después de Chernobil hemos hecho algo diferente y arriesgado. Hemos aunado a científicos con información rigurosa, a primeras figuras de la arqueología mundial, con la posibilidad de asistir a ritos iniciáticos tal y como se produjeron, a auténticos misterios que acabaron fundando las religiones en algunas cavernas. Un auténtico viaje en el tiempo. Mi objetivo fundamental es que la gente se enamore del rico patrimonio que tenemos bajo nuestros pies. Encender en muchos el amor por los misterios de la Prehistoria y hacer justicia con muchas cosas que ocurrieron en nuestro país. No es una tarea fácil. Yo fui un niño enamorado de la Prehistoria y, treinta años después, la televisión me ha hecho comprender su latido y su enigma. El mensaje de las cavernas, de lo que se encierra en ellas, es muy importante para estos tiempos de crisis y desesperanza. Nos hacen creer en las mágicas fuerzas de la naturaleza".

El Señor de los Anillos, de Ralph Bakshi

2011-05-10T12:27:00.001+02:00

Adaptación animada de El Señor de los Anillos, por Ralph Bakshi (1978),

usando la rotoscopia (dibujos a partir de escenas con actores reales, que fueron filmadas en España)

actores que sirvieron para hacer la rotoscopia

una imagen del storyboard

Lista de reproducción con la película completa

(la inserción está desactivada, por lo que hay que verla en Youtube)

web de Ralph Bakshi

Video: Dream Theater - Live At The Budokan

2011-04-11T19:44:00.000+02:00

Dream Theater

Live Concert At The Budokan

(2:52:47)

web

wikipedia

eBook: el arte de Alfredo Rodriguez

2011-04-04T11:33:00.002+02:00

Alfredo Rodríguez

pintor mexicano residente en California

web

Chernóbil en Cuarto Milenio

2011-03-28T23:43:00.006+02:00

Un equipo del programa Cuarto Milenio ha viajado a Chernóbil, el lugar donde se produjo la mayor catástrofe nuclear de todos los tiempos, y ha recogido testimonios e imágenes muy impactantes. Tras el desastre de la central nuclear de Chernóbil, del que dentro de muy poco se cumplirán 25 años, una serie de urbes y aldeas han quedado desoladas. La vegetación ha provocado anomalías increíbles como bosques teñidos de rojo, lagos con peces de extraordinario tamaño o mutaciones en el entorno y los seres humanos. Asimismo, cementerios de helicópteros y barcos varados el mismo día del accidente más grave ocurrido sobre la faz de la Tierra, nos mostraran la cruda realidad de lo que allí se vivió.

Destaca, en este mapa de la desolación, Pripiat, ciudad de 70.000 habitantes donde ya no vive nadie. Todo quedó suspendido en el tiempo. Y así deberá continuar durante los próximos 27.000 años. Sus pobladores fueron exiliados a la fuerza tras recibir dosis de radiación muy superiores a lo compatible con la vida humana. Los enviados especiales de Cuarto Milenio nos traen imágenes exclusivas del lugar donde se produjo la mayor catástrofe nuclear de todos los tiempos, y de sus alrededores, un área donde el peligro aún existe, y donde han podido ver, en primera persona, el día a día de los habitantes de una zona que está realmente degradada. Un lugar que nos muestra cómo puede ser el mundo si el hombre sigue su escala de armamento y destrucción. Un testimonio gráfico en primera persona que da fe de la situación actual de uno de los grandes momentos históricos del siglo XX.

"Nos encontramos ante uno de los reportajes inolvidables. Unas imágenes que parecen de película pero que son la terrible realidad que la Unión Soviética ocultó durante demasiado tiempo. Viendo las escenas que emitiremos, hay que pensar que 700.000 personas dejaron su vida y salud en intentar que la catástrofe no invadiese el mundo. Esa heroicidad merece un recuerdo. La ciudad Fantasma, y la Zona, son una advertencia para la Humanidad. Una advertencia que hemos querido filmar para todos los espectadores" ha afirmado Iker Jiménez.

Lista de reproducción con 12 vídeos del programa de Cuarto Milenio dedicado al desastre nuclear de Chernóbil.

Ver también
Chenobyl, la última película de Vladimir Shevchenko
Los muros de Chernóbil

Pub signs

2011-03-28T11:31:00.000+02:00

Fotos de Thorskegga / Flickr

En un viaje al Reino Unido es normal ver numerosos "pub signs" o carteles que cuelgan delante de alguno de los típicos pubs ingleses, en los que figura el nombre del local y algún dibujo relacionado con tal nombre. Esta tradición inglesa viene de los tiempos en que esos carteles identificaban los locales que tenían licencia para vender bebidas alcohólicas, pero también resultaba muy útil en aquellos tiempos de analfabetismo, cuando la mayoría de la clientela necesitaba una imagen a falta de poder leer el nombre. Tales motivos ya quedaron obsoletos, pero la tradición ha prevalecido, dejándonos estas curiosas muestras de arte popular.

eBook: Luis Royo

2011-03-26T09:30:00.003+01:00

Entrevista a Luis Royo

¿Cómo decides el motivo de tu siguiente pintura?

Esto depende mucho si se trata de un trabajo de encargo o de un proyecto personal que esté realizando en esos momentos.

En general, una idea algo abstracta ya va rondando meses por la mente antes de realizarla, al tiempo que estoy en otros trabajos. Luego paso a hacer bocetos a lápiz que también van quedando por los cajones, hasta que llego a decidir que esa idea está bastante clara como para pintarla definitivamente. Algunas de estas ideas quedan en el cajón sólo con los primeros trazos de lápiz sin que las realice, porque esa señal de semáforo en verde no aparece nunca.

En un trabajo de encargo es diferente, es mas continuado, primero te documentas, pasas a los bocetos hasta que encuentras el encaje y la idea que tu crees mejor y pasas a pintarlo, incluso teniendo en cuenta que has de adaptarte a unas fechas.

Mirar una de tus obras siempre crea historias en la mente acerca de las personas que ves y cómo han llegado a esa situación concreta. Cuando haces tu trabajo, ¿ves sólo la imagen o es toda la historia que tienes en tu cabeza la que queda capturada en esa imagen única?

Normalmente imagino en primer lugar un mundo y una estética, porque busco una llamada para los ojos del espectador. En este mundo coloco la figura que es el eje, e incluso intento encontrar un pequeño elemento principal (puede ser una mirada, la posición de unos dedos, o la empuñadura de una espada) que sea como el anzuelo, el primer punto llamativo a partir del cual la vista pueda pasear luego por toda la imagen, dándole en detalles más perdidos las claves o la descripción de ese pequeño universo.

¿Las personas de tus pinturas son reales para ti? ¿Tienen nombres? ¿Historias? ¿Futuros?

Generalmente sí, incluso en ocasiones pertenecen a pequeños cuentos que uno imagina antes de dormir e incluso a veces quedan pequeños apuntes de historias imaginarias con respecto a esa ilustración por los papeles sueltos del estudio.

Aunque todo esto no es matemático y algunas veces uno imagina una composición, la considera con fuerza y la realiza acto seguido.

La dinámica de tus imágenes es principalmente erótica y muy a menudo peligrosa, muy violenta. (Algunos otros motivos parecen relacionados con portadas de libros, y obviamente la elección del motivo no es totalmente tuya). Incluso los que parecen tranquilos y "bonitos" a primera vista, son tan potentes en una segunda mirada que cualquier palabra sería adecuada excepto "bonito". Incluso tus pinturas más hermosas y "calmadas" tienen como mínimo un detalle inquietante. ¿Puedes explicarnos por qué no haces imágenes puramente "bonitas"?

Desde luego que es así. En ningún momento busco la belleza desde un punto de vista dulce y cándido, sino una belleza compleja que busca sus orígenes en el subconsciente y por lo tanto están llenas de fantasmas y de sueños oscuros. La conexión que busco con el espectador nunca es para ofrecerle una estética suave sino para bucear juntos en nuestras partes más oscuras e incluso siniestras.

¿Cuánto tiempo trabajas en una de tus imágenes en color?

Es muy difícil establecer un tiempo fijo, porque en unas aparecen varios personajes y mucho decorado, mientras que en otras pueden ser únicamente un primer plano. Hay algunas que la idea surge en muy poco tiempo, sin embargo otras, como hemos comentado antes, llevan tiempo rondando por la cabeza y se hacen bastantes apuntes previos.

Para no eludir la pregunta, si buscáramos una media podríamos estar hablando de una semana realizando la ilustración definitiva a color.

¿Trabajas en diferentes proyectos al mismo tiempo o te concentras en una sola pintura?

El mundo profesional te obliga a trabajar en varios proyectos a la vez por cuestiones de fechas y estudios editoriales. Algunas veces pretendo que algún proyecto se haga de manera continuada y sin otros trabajos que lo interrumpan, pero a la hora de la verdad muy pocas veces se consigue.

Lo que no interrumpo es una pintura que ya esté en el tablero, en ese momento no me gusta nada realizar otra cosa entremedio.

¿Trabajas con modelos u otras fuentes de inspiración o todo lo que hay en tu obra es de tu imaginación?

Para el trabajo de encargo cuyas bases (por ejemplo de una novela) te pueden transportar a cualquier época histórica, un ilustrador debe tener una buena biblioteca de documentación. Pero también en otros trabajos fantásticos y personales es bueno según la idea a realizar, que ésta se ejecute documentada, porque por ejemplo, el que las luces de esa imagen nos de una visión creíble, es fundamental.

En mi trabajo utilizo en ocasiones fuentes de documentación para diferentes elementos, esas fuentes pueden ayudar a una imagen o a un pequeño fragmento que deseas potenciar. Con el transcurso de los años la documentación deja de ser tan necesaria. Actualmente bastantes de mis pinturas no tienen documentación, esto no quiere decir que en esta profesión deje de ser siempre positivo el poseer una buena biblioteca de información.

Sobre trabajar con modelos, hasta ahora no ha sido así, pero uno de los proyectos futuros es hacer un libro donde aparecerán sesiones fotográficas sobre los modelos y luego su conversión y derivación a imágenes y mundos fantásticos.

¿Cómo es tu relación con las pinturas terminadas? ¿Las estudias (años) después? ¿Pueden ser una inspiración para ti mismo? ¿Alguna vez las llegas a considerar definitivamente terminadas?

Normalmente cuando una imagen sale del tablero de dibujo me olvido de ella y dejo que siga su camino, porque yo ya estoy enfrascado con la que ocupa su lugar en el tablero. Pero también es cierto que después de años, si por algún motivo editorial me encuentro con algunas imágenes del pasado y tengo oportunidad me pongo a retocar.

Nunca he sabido cuando está totalmente acabada una pintura y siempre encuentro algo que retocar, y eso en mi vida cotidiana se convierte en un problema. Lo que ocurre más frecuentemente es que esa imagen la requiera la editorial y haya que mandarla, con lo que llega un momento que desaparece de tu vista, pero sino, tengo que decidir un día esconder esa imagen por los cajones para comenzar otra y así olvidarme de ella.

¿Qué pinturas tuyas son tus preferidas? ¿Hay obras que hiciste hace años que ya no te gusten?

Las preferidas siempre son ese proyecto que aún tienes en la cabeza y que no has comenzado a realizar. Sobre las pinturas del pasado, por supuesto que hay muchas que hoy no me gustan.

¿Guardas todos los esbozos y las imágenes, incluso las pequeñas, o tiras las cosas que no te gustan?

Siempre estoy ocupado en los nuevos proyectos sobre el tablero de dibujo, pero fuera del tablero hay una persona que se encarga de archivar todo lo que hago, también la editorial mantiene un seguimiento. Por tanto sí que se guarda y archiva cualquier apunte de los que hago, aunque yo no sepa la mayor parte de las veces donde están.

¿Cómo definirías la diferencia entre tu obra de hace años y la de ahora?

En el largo camino de años dedicado a esta profesión, uno pasa por diferentes etapas. En los primeros años la obra era más heroica y más colorista. Poco a poco se fue tornando más sombría tanto de concepto, de contenidos y de tonos. Después entré en unos años muy inclinado hacia el erotismo. Y en estos últimos tiempos estoy por envolver cada imagen con cuentos, referencias literarias que te inspiran, acumular más los apuntes e ideas que te rondan antes de realizarla, cambiar de soportes y técnica, etc.. Resumiendo, recrearme más en la idea y el proceso para esperar nuevas sorpresas en el tablero y que el trabajo mantenga para uno mismo esa incertidumbre necesaria.

Mucha gente lleva tus obras, o partes de ellas, como tatuaje. ¿Has conocido a alguien que lleve un tatuaje tuyo? ¿O has visto fotografías?

Por supuesto, en algunas ferias se han acercado personas que llevaban un tatuaje de alguna imagen mía. Y en revistas he visto fotos también.

¿Qué piensas al respecto? ¿Te gusta?

Que una imagen propia aparezca en cualquier soporte, sea un libro, una revista, una camiseta y por supuesto en la piel siempre es gratificante,

¿Te parece que la piel es un buen "lienzo" para tus imágenes?

No es necesario decir lo personal que es la piel y por tanto que alguien decida sobre su propia piel llevar una imagen mía da a entender el nivel de complicidad con mi trabajo de quien se hace ese tatuaje. Es como comprobar que alguien tiene en su interior las mismas obsesiones o sueños.

En la revista "Piercing" mostraron imágenes de "Skinfactory", de Alemania, que copiaron uno de tus cuadros más famosos a la realidad. Pintaron e hicieron piercing por toda la espalda de una mujer joven, exactamente de la misma manera en que tú habías pintado a la mujer en el cuadro. ¿Eso te gustó? ¿Alguna vez habías pensado que tus obras (especialmente ésta) se convertirían en algo real o pensabas que era (im)posible?

Cuando realizo una imagen intento que sea creíble en su fantasía y que sus elementos o adornos pudieran existir. Pero en el caso de la pintura que estamos hablando, nunca imaginé que alguien la llevara a la realidad. Me sorprendió mucho ver esas fotografías del proceso en la revista, me dejó boquiabierto, por la complejidad de piercing que llevaba en la espalda, que alguien hubiera decidido llevarlas a cabo y al mismo tiempo resultó agradable verlas.

¿Eres consciente (si se piensa con qué frecuencia los artistas jóvenes intentan copiar tu estilo) de que te has convertido en uno de los maestros del arte fantástico? ¿Qué te parece? ¿Lo consideras la recompensa por toda una vida de trabajo, o simplemente te irrita?

No puede irritarme que a alguien le guste mi trabajo hasta el punto de copiar el estilo, personalmente es un halago.

¿Crees que intentar copiar el estilo de otro artista es una buena forma de aprender? ¿O hay maneras mejores?

Copiar literalmente no sé si es positivo. Las influencias sí que son algo normal y se han dado en toda la historia de la pintura.

Personalmente yo me inclino por enriquecerse con diferentes fuentes: pintura, cine, literatura, libros de imágenes, de fotografía, videos musicales, etc. Todo en su conjunto te va haciendo un poso para que a la hora de realizar un trabajo, éste sea rico.

Pero sobre el aprendizaje es complicado dar unas pautas generales, cada uno tiene una forma de pasar este período.

luisroyo.com

Chernobyl: La última película de Vladimir Shevchenko

2011-03-23T11:58:00.001+01:00

Esta película muestra las terroríficas imágenes capturadas por el cineasta ruso Vladimir Shevchenko en aquellos días terribles de Chernobyl: abril de 1986. Shevchenko más tarde murió debido a la radiación a la que se expuso. Lamentablemente, su nombre no figura entre las víctimas oficiales del accidente.

This film shows the terrifying images captured by the Russian filmmaker Vladimir Shevchenko on scene at Chernobyl those dreadful days in April 1986. Shevchenko later died suffering from the radiation he exposed himself to. Sadly, his name is not among the official casualties of the accident.

The Lost Thing (Oscar mejor animación 2011)

2011-03-21T23:53:00.001+01:00

The Lost Thing

Shaun Tan

Oscar al mejor corto de animación - 2011

16 min.

Homenaje a Japón

2011-03-16T09:10:00.000+01:00

Podcast del programa Saludo al Sol (Radio 3)
Música del País del Sol Naciente para la paz y el reposo.

Descripción: Nuestro corazón con el pueblo japonés, que azotado por una colérica naturaleza, afronta su mayor crisis desde el fin de la guerra. Música en el País del Sol Naciente, para la paz y el reposo.

Sexy digital art

2011-03-13T13:47:00.001+01:00

Digital Art / Erotica-X / Deviantart

Radionomy / Smooth Jazz

Spirit of Wolves

2011-03-07T01:40:00.000+01:00

Spirit of Wolves gallery

Carnavales del Mundo

2011-03-02T10:41:00.002+01:00

Carnaval, Καρναβάλι, Carnevale, Carnestoltes, Carnival, Karneval

Un carnaval es una celebración pública que tiene lugar inmediatamente antes de la cuaresma cristiana, con fecha variable (desde finales de enero hasta principios de marzo según el año), y que combina algunos elementos como disfraces, desfiles, y fiestas en la calle. Por extensión se llaman así algunas fiestas similares en cualquier época del año. A pesar de las grandes diferencias que su celebración presenta en el mundo, su característica común es la de ser un período de permisividad y cierto descontrol.

Los etnólogos encuentran en el carnaval elementos supervivientes de antiguas fiestas y culturas, como la fiesta de invierno (Saturnalia), las celebraciones dionisíacas griegas y romanas (Bacanales), las fiestas andinas prehispánicas y las culturas afroamericanas. Algunos autores consideran que para la sociedad rural, fuertemente estructurada por el cristianismo, el tiempo de «carnestolendas» ofrecía mascaradas rituales de raíz pagana y un lapso de permisividad que se oponía a la represión de la sexualidad y a la severa formalidad litúrgica de la Cuaresma.

(wikipedia)

Vídeo: Yeasayer

2011-02-18T02:18:00.000+01:00

NSFW @ http://www.spyfilms.com

Band: Yeasayer
Director: Radical Friend
Production Co: Spy Films / Daft Arts
US Label: Secretly Canadian
UK Label: Mute Records
Producer: Paul Hahn & Jett Steiger
Interactive: Spy Digital - http://www.amblingalp.com/
Interactive Producer: Marcus Trulli
Director of Photography: Kevin Phillips
Production Designer: Megan Fenton
Wardrobe Designs: Elliot Hazel & Diana Contreras
Make-up Designs: William Lemon III
Editor: Robert Grigsby Wilson
VFX: Cedric Hervet
360 Camera Photography: Bill Meikle

myspace

iPad work - Mathews Watkins

2011-02-10T19:57:00.000+01:00

iPad Works - Matthew Watkins

Gary Moore

2011-02-07T01:25:00.002+01:00

Playlist con 15 vídeos

Pintando con los dedos en un iPad

2011-01-29T21:33:00.000+01:00

Brushes app es una aplicación que permite pintar directamente con los dedos en la pantalla de un iPad (también hay versiones para iPhone y iTouch). En este vídeo puede verse una sesión del artista David Kassan (fue transmitida por internet en directo) pintando un retrato a lo largo de 3 horas (vídeo reducido a 8 min). En la parte final se pueden ver imagen por imagen todos los cambios realizados en la pintura digital.

Brushes Gallery – iPhone/iPad Art

2011-01-26T00:41:00.000+01:00

Brushes Gallery – iPhone/iPad Art / Flickr

RemixMashers Vol. 1 - VibesQuaD / BandCamp

Time in digital art

2011-01-22T11:03:00.001+01:00

digital art in Deviantart

music Erotic Lounge

Thomas Thorspecken: Sketcher

2011-01-20T19:43:00.001+01:00

Thomas Thorspecke / Flickr

JP Mounier / Jamendo

Catálogo de música libre

Hectómetro

2011-01-18T10:37:00.001+01:00

Dirigido por Matthew Brown
Música de Hans Zimmer

William Trubridge se ha convertido en el primer ser humano de sumergirse por completo sin ayuda a 100 metros (un hectómetro). Contando sólo con las manos y los pies para la propulsión, consiguió este récord histórico en Blue Dean's Hole, Long Island, Bahamas, el 13 de diciembre de 2010.
La inmersión se realizó para dar a conocer la difícil situación de los delfines de Héctor. En la actualidad sólo quedan 100 en North Island (Maui). Los delfines de Héctor - una de las especies más pequeñas y más bellas de delfines en el mundo- sólo se encuentran en Nueva Zelanda, y sólo en aguas costeras poco profundas, de menos de 100 metros de profundidad, poniéndolos a merced de la pesca con redes de enmalle que se lleva a cabo en esas aguas. Su población se ha reducido en un 75% en los últimos 30 años, y la subespecie del delfín de Maui se tambalea al borde de la extinción.
mas información

iPad wallpaper

2011-01-16T21:15:00.001+01:00

iPad wallpaper / undergroundbastard / Flickr

Cloudy friday / Host in the Hell / Jamendo

Deep Space

2011-01-15T18:53:00.001+01:00

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Ilustraciones de Deviantart

Música de Adam Castillo

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The cigarette is dead

2011-01-12T23:08:00.002+01:00

The campaign was created for the Colorado Department of Public Health. The campaign has been hard not to notice. Especially since the ads have come in the form of posters, spraypaint and wheat pasted posters over cigarette billboards. It has been an interesting thing to watch unfold since the campaign was approached as more of a social movement than a traditional ad campaign. The motion piece above was created by local motion designer Adam Espinoza.

thecigaretteisdead.com

Documental: Eyenguy, el dios del sueño

2011-01-11T23:45:00.001+01:00

Eyenguy, el dios del sueño
Documental, España - 2003 (90 min)
Guión, montaje y dirección: José Manuel Novoa
Fotografía: David Tudela
Música: Santi Vega

Sinopsis

En el corazón de la selva ecuatorial africana un grupo de pigmeos baká se enfrenta a la destrucción de su mundo. Anclados en el neolítico, los baká nunca han salido de la espesura. Sólo conocen la selva, a la que llaman Eyengui. Para ellos Eyengui quiere decir dios; dios y la selva son la misma entidad. La tala indiscriminada de árboles por parte de las madereras está acabando con el hábitat de los pigmeos. La caza se ha retirado, surgen enfermedades nuevas y lo que es peor, los jefes y los ancianos han dejado de soñar. Ahora no tienen comunicación con el más allá, con Eyengui, con su Dios, con la selva. Asediados por los come-hombres, unos brujos que practican el canibalismo ritual, contratados por los madereros para alejar a los pigmeos de sus concesiones, los baká se ven obligados a actuar para defenderse. Su guerra, como su vida, es diferente. Los ancianos baká comen embondo, un potente alucinógeno, y viajan al mundo de los espíritus. Allí, el “Gran Guerrero”, el espíritu de “Los Señores de la Selva” encarnado en los gorilas, les indica lo que deben hacer. Y una aventura fascinante comienza enfrentando el mundo moderno con el neolítico, la supuesta civilización con una cultura milenaria, el amor por la naturaleza con la desmedida codicia del hombre blanco.

Es el primer largo dirigido por el periodista madrileño José Manuel Novoa.

Intervienen los miembros de una tribu pigmea de la selva ecuatorial africana y el protagonista, Aguendé, fue seleccionado entre más de doscientos candidatos, lo que le obligo a suplantar al jefe de la tribu a pesar de las reticencias de éste.

El director conoció la historia mientras rodaba el último capítulo de la serie documental Los últimos nómadas con un grupo de pigmeos baká, en el oeste de Camerún. El jefe del grupo le contó que hacía unos años habían tenido que abandonar una región de la selva, por la llegada de una maderera. Conociendo los pormenores de la historia, surgió la idea de confeccionar un guión que ellos mismos pudieran protagonizar. Los baká son nómadas. Habitan en la selva de África Central y viven de la recolección y de la caza fundamentalmente.

Producida por El Deseo (hermanos Almodóvar) y Transglobe (Javier Linares).

El rodaje se inició a finales de enero de 2002.

fuente: Zinema.com

Georgia Aquarium

2011-01-08T13:39:00.000+01:00

El Acuario de Georgia, ubicado en Atlanta, Georgia, está catalogado como el mayor del mundo, con más de 30.000 m³; (30.000.000 litros) de agua salada y dulce.

Georgia Aquarium (incluye webcams)

- ver vídeo a pantalla completa -

Planeta Salvaje (1973)

2011-01-04T14:14:00.002+01:00

El planeta salvaje (en francés La planète sauvage) es una película francesa animada de ciencia ficción de 1973 dirigida por el francés René Laloux, es hoy uno de los grandes clásicos de la animación europea. A través de una historia de ciencia ficción, el film nos sumerge en el drama de dos sociedades enfrentadas entre sí, a través de la opresión, y en el incierto destino al que se enfrentan, abocadas a la propia destrucción.

A destacar, además de la trama, la impactante estética que presenta, heredera de los cánones de la época y el lugar en que fue creada. Fue un film coproducido por Francia y Checoslovaquia y distribuido en Estados Unidos por Roger Corman. Ganó el premio especial del jurado en el Festival internacional de Cannes de 1973. La historia está basada en la novela "Oms en Série", del escritor francés Stefan Wul.

La película muestra un futuro en el que los seres humanos, llamados "Oms" (palabra inventada derivada de la francesa "hommes", hombres), han sido llevados al planeta de los gigantes Draags, donde son conservados como mascotas (con collar). Los Draags son una raza extraterrestre con forma humanoide, pero mucho más antigua, con piel azul, orejas como aletas de pez y enormes ojos rojos. Los Draag viven mucho más tiempo que los humanos - una semana Draag es equivalente a un año humano. Algunos Oms han sido domesticados como mascotas, pero otros corren libres y salvajes y son exterminados de manera periódica. El trato de los Draags hacia los humanos contrasta con su alto nivel de desarrollo tecnológico y espiritual.

La historia inicia con una mujer corriendo: de vez en vez, mira atrás como si fuera perseguida. Una enorme mano desciende y bloque su camino. Ella corre al otro lado, y encuentra el camino bloqueado por otra mano; se entiende entonces que está sindo usada como juguete por una entidad que no entiende la fragilidad de ella. Cuando muere la mujer, el niño que estaba intentando proteger comienza a llorar.
La vista se aleja para dejarnos ver a los niños Draag, quienes han matado accidentalmente a la mujer; ellos se van rápidamente cuando un adulto y una niña Draag se aproximan. Los recién llegados deliberan sobre qué hacer con el niño humano huérfano, y ambos lo llevan a casa. Tiva (la niña Draag) da al niño humano el nombre de al Terr (juego de palabras que en el francés llevan a la idea de terrible y de Tierra).
A partir de ese momento de la película, la voz del Terr adulto narra la historia. El padre de Tiva, el maestro Sinh, le coloca a Terr un collar capaz de controlar su ubicación y traerlo de regreso cuando se aleje. La relación entre Terr y Tiva se desarrolla en las siguientes escenas.

Terr observa a los padres de Tiva alimentarse inhalando el alimento de un artilugio. En otra escena, Tiva cambia la ropa a Terr como si de una muñeca se tratase. Tiva usa maquillaje para darse una apariencia humana. Cuando Terr cambia el maquillaje claro por uno oscuro, Tiva sopla un poco de maquillaje sobre él. Tiva usa una pequeña nube artificial para hacer una pequeña tempestad sobre Terr. Tiva lleva a Terr a caminar, y luego le enseña cómo, bajo ciertas circunstancias, se forman cristales sobre objetos estáticos, incluyendo pies detenidos. Ella también le enseña que silbando se romperán los cristales. La voz del adulto Terr relata cómo otros niños Draag tienen Oms como mascotas y de los rituales de meditación de los Draag.

La educación de Tiva es administrada por unos audífonos que transmiten el conocimiento directamente a su cerebro. Como ella disfruta teniendo a Terr en la mano mientras toma sus lecciones, Terr comienza a adquirir conocimientos.

Mientras tanto, en la sede del gobierno, el Consejo de los Draag discute regular la exterminación de los Oms salvajes o si sólo es necesario mantenerlos en un número aceptable. Se revela que los Oms fueron encontrados en un planeta que mostraba evidencias de vida civilizada, pero las imágenes muestran también que la Tierra estaba en un estado postapocalíptico.

Terr decide escapar, y se lleva los auriculares. No iba muy lejos cuando Tiva descubre que no está y su madre le dice que use el brazalete para traerlo de vuelta; Tiva se niega al principio por temor de causarle daño. Terr es ayudado por una Om salvaje cuado es arrastrado por el collar.

Terr explica que los audífonos contienen el conocimiento de los Draag, pero que no sabe dónde ir. La mujer le ofrece llevarlo a su tribu, que vive en un parque bardado. Cuando Terr demuestra que puede leer la escritura Draag, el líder acepta a Terr en la tribu; pero el mago no, y exige que participe en un combate tribal a muerte. Terr logra ganar el extraño combate..

En las siguientes escenas se muestra cómo los Oms se han adaptado a la vida en el planeta. Pequeños caracoles tejen ropa sobre el cuerpo de los Oms. Los depredadores son eliminados y usados como alimento. Los Oms hacen expediciones ocasionales en las zonas Draag para abastecerse. Volviendo de una de esas expediciones, son robados por bandidos Oms. El líder de la tribu explica a Terr que los bandidos viven en el otro lado del parque y que son malvados.

Cuando los Oms alfabetizados leen en las paredes del parque que éste va a ser desomizado, Terr decide llevar esta información a la tribu de bandidos de ese parque, y es capturado y llevado ante su líder y una anciana y sabia mujer.

La mujer no cree lo que Terr dice. Terr es atado y abandonado. Pero cuando se inicia el proceso de desomización, la anciana regresa y lo libera. La desomización se realiza lanzando discos que liberan gas venenoso. Muchos Oms perecen por el gas, pero una buena cantidad escapa a través de una agujero en la pared del parque.

Dos Draags observan el escape de los Oms y comienzan a pisarlos. Los Oms contraatacan y logran neutralizar y matar a un Draag. En la lucha muere el líder de la tribu, entonces la anciana sabia toma el liderazgo y conduce a los Oms sobrevivientes a un lugar seguro. La muerte del Draag pone al consejo Draag en aprietos. La desomización se convierte en un asunto más importante y se lleva a cabo con mejores tecnologías y se aumenta la frecuencia con que se realiza.

La anciana ha llevado a los Oms a un depósito de cohetes abandonados. Aplicando los conocimientos que han adquirido, los Oms, bajo la dirección de Terr, rápidamente adaptan las tecnologías abandonadas para sus propósitos y comienzan a florecer, gracias al renacimiento de una industria mecanizada. En una visita a la anciana, Terr y la mujer que lo rescató escuchan de ella su optimismo así como su tristeza por no ver que los Oms lleguen a una era de paz.

Cuando los Draag intentan desomizar el depósito de cohetes no lo logran, ya que los Oms han construido refugios. Como los ataques se diversifican y se vuelven más efectivos, los Oms lanzan sus cohetes hacia el Planeta Fantástico. En ese lugar descubren estatuas sin cabeza a las cuales llegan las burbujas que crean los Draag al meditar; las estatuas danzan. Cada burbuja acoplada cumple la función de dar energía vital a los Draag y faciltar los ritos nupciales entre los Draags y entes de otros planetas. Como los pies de las estatuas amenazan destruir las naves con su danza, los Oms lanzan rayos destruyendo las estatuas. Es entonces que se detiene la masacre de Oms y el Consejo de Draags decide buscar la forma de que ambas razas vivan en paz.

En la escena final, esta historia está siendo relatada a través de los audífonos como parte del conocimiento Draag, donde llaman a Terr "aquel que salvó a los Oms."

Temas

La condición humana. Plantea cómo sería si fueramos la especie homínida inferior, qué sería lo que nos mantendría como especie, qué es lo fundamentalmente humano. Los Draag, a pesar de sus avanzadas tecnología, ciencia y espiritualidad, tienen un trato inhumano hacia los Oms.

La película tiene notoriedad por su imaginería surrealista, obra del escritor y artista francés Roland Topor. Los paisajes del planeta Draag evocan cuadros de Salvador Dalí, y están llenos de extrañas criaturas. El Planeta Fantástico, con sus estautas sin cabeza, evoca los cuadros de Giorgio de Chirico. La relación entre ciencia y superstición se muestra en el mago que se resiste al conocimiento que lleva Terr, temiendo que le reste poder. El conocimiento triunfa frente a la ignorancia, en este caso al salvarlos de la muerte.

El compartir el conocimiento sobre una raza desconocida aleja el temor hacia éstos. Terr se convierte en un ser excepcional al compartir el conocimiento aun con la tribu hostil, y se convierte en líder de la tribu al morir el jefe.

Los Draags y los Oms aprenden a vivir en paz y mutuo beneficio; cualquier grupo puede alcanzar la paz si ellos y sus líderes realmente quieren lograrlo. Éste ha sido tema de muchas película desarrolladas durante la guerra fría.

(wikipedia)